¡Bienvenidos a la segunda parte de este Más allá de la Galia tan especial!
Os presentamos las 10 escogidas que acaban de completar la lista que hemos elaborado de las 25 obras europeas imprescindibles del siglo XXI. Para confeccionar esta selección los redactores Sergio Fernández Atienza, Diego García Rouco y Tristan Cardona han elaborado su propio listado de 25 preferidas. Las más votadas, las que han obtenido tres o dos votos han entrado en la selección automáticamente y hemos completado el resto por consenso, de una forma bastante natural.
Esperamos que os interese nuestra propuesta y, por supuesto, estamos ansiosos por conocer vuestras opiniones y así como vuestras candidatas a imprescindibles. Para esto están los comentarios.
La saga de Grimr (2017), de Jérémie Moreau – Norma Editorial
La saga de Grimr es una obra fundamental del cómic europeo del siglo veintiuno. Esta epopeya que nos entrega el autor Jérémie Moreau (París, 1987) trasciende el relato histórico, supera la denuncia nacionalista, desborda la tragedia romántica para convertirse en una obra de arte total. Moreau despliega todo su talento en beneficio de una historia, más grande que la vida, que entra de inmediato en un terreno más legendario. Esta epopeya contiene tantas facetas, presenta tantos alicientes que en una primera lectura es imposible abarcarlos a todos. La vida de Grimr se transforma en una volcánica y legendaria odisea que, construida con piedra y lava, regada con lágrimas, sudor y sangre, nos exalta y nos emociona.
Esta tragedia polar nos narra la vida de Grimr, un huérfano islandés que lucha por sobrevivir en su helado país. Durante el siglo dieciocho Islandia estaba ocupada por los daneses que imponían su ley y expoliaban un territorio cada vez más empobrecido a causa de las inclemencias meteorológicas y la amenaza de un volcán extremadamente activo. En este contexto, Grimr se ve sometido a constantes vaivenes, peligros y desgracias ligados a la tragedia que siempre asalta a sus escasos seres queridos. El único sostén que le permite seguir hacia adelante es un deseo irrefrenable por pasar a la historia; una obsesión por convertirse en leyenda. Grimr destaca también por tener una fuerza descomunal y por su habilidad para trabajar con las piedras. Las continuas injusticias de sus semejantes, tanto de los daneses como de los propios islandeses, lo convertirán en un ser huraño, solitario que es odiado y temido por sus vecinos. Al final, su destino se unirá para siempre a los tres elementos capitales de su tierra natal; la fuerza indomable del ser humano, la piedra y el fuego purificador de la montaña.
La saga de Grimr cautiva tanto por su argumento como asombra por su arte. Un arte que consigue sumergirnos en un mundo y en un tiempo tan remotos para los lectores actuales que reaccionamos como si de otro planeta se tratase y sin embargo su historia nos llega con una fuerza y con un ímpetu tan potentes que la convierten en instantáneamente en un clásico absoluto. Jérémie Moreau se consagra como autor completo con esta saga islandesa. Grimr Enginsson ha pasado a engrosar, para siempre, la exigua lista de personajes inolvidables.
Pantera (2014), de Brecht Evens – Astiberri
La obra del belga Brecht Evens (Hasselt, 1986) publicada en 2018 en nuestro país por Astiberri posiblemente tenga uno de los finales más escalofriantes y siniestros que se han publicado en los últimos años. Uno de esos que te pilla de sorpresa, te agarra por las solapas y te zarandea haciendo que la lectura y las sensaciones que te produce se te quedan pegadas al alma durante mucho, pero que mucho, tiempo. Un final al que vamos llegando al ir encajando las piezas que de forma sutil ha ido dejando el autor de Jolgorio o El rey Medusa. Unas miguitas de pan que en un momento dado ya vamos intuyendo hacia donde nos van a llevar, pero seguimos adelante con la esperanza de estar equivocados. Aunque sea un cómic con unas acuarelas tremendamente coloristas como todos los del belga, se trata de una obra que esconde una enorme oscuridad abordando un tema realmente delicado y que ha marcado la vida de todo aquel que lo ha sufrido, pero reflejado con una perfecta mezcla entre crudeza y sutileza. Ya que con un excelente criterio Evens nunca nos nuestra nada explicito. Sin embargo, al llegar al final empezamos a atar cabos y todo lo que ya nos parecía turbio en la historia se convierte en algo aterrador.
Pantera nos cuenta la historia de Cristina, una niña que vive en una gran casa con su padre y su gata Lucy desde que su madre se fue. Cuando Lucy enferma y muere, la niña queda desolada, pero justo entonces sale de su armario una misteriosa pantera que se encarga de consolarla y entretenerla llevándola a Panterlandia, un reino mágico que está habitado por criaturas de todo tipo que hacen las delicias de la pequeña. Sin embargo, con el paso del tiempo la pantera se descubre como alguien muy manipuladora, con amigos poco recomendables y con unas intenciones inquietantes.
Quienes ya conozcan los trabajos previos del belga ya sabrán que estamos ante un autor con una iconografía muy personal que hace de cada cómic una experiencia narrativa muy especial y única, pero no para todos los gustos ya que, por suerte, su estilo de aleja de la ortodoxia ofreciéndonos algo mucho más estimulante. Ese afán por experimentar por el medio no convierte a sus cómics en algo vacuo únicamente pendiente de lo formal, ya se convierten en un perfecto vehículo que el permite plantear temas tan complejos como los que aborda Pantera. En este caso con la particularidad de hacerlo a través de los inocentes ojos de la protagonista, algo que añade un plus de originalidad, frescura y dolorosa verosimilitud a una historia de esas que rascan. Calificado en muchas ocasiones y con bastante acierto como Calvin y Hobbes siniestro es un certero ejemplo de cómo conjugar forma y fondo que se convierte en la perfecta forma de mostrar algunas de las nuevas vías que se han ido abriendo en el cómic francófono en estos últimos veinticinco años y que le hacen justo merecedor de tener un hueco en nuestra lista.
Corto Maltés (2021-2025), de Martin Quenehen y Bastien Vivès – Norma Editorial
Corto Maltés, el personaje de Hugo Pratt no ha muerto con su autor si no que aparece en dos series que se publican actualmente. Por una parte podemos encontrar la continuación que los autores españoles Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero están realizando con el explícito título de Las nuevas aventuras de Corto Maltés con la que han alcanzado ya el quinto álbum y que en general es una ampliación de la serie correcta y algo timorata.
La segunda línea editorial con este famoso personaje es la que lideran el guionista Martin Quenehen (Normandía, 1978) y Bastien Vivès (París, 1984) con dos álbumes publicados hasta el momento y titulados Océano negro (2021) y La reina de Babilonia (2023). Los autores franceses plantean una revisión total del personaje y su entorno, trasladándolo al siglo XXI, con un protagonista casi adolescente, ubicado en un contexto histórico y social completamente alejado de la serie canónica. Es una saga ligera, con mucha aventura, pero también con más peso específico que la versión de Canales y Pellejero. El descaro con que los autores han abordado este encargo beneficia el conjunto y resulta mucho más fiel al espíritu aventurero del genio de Rímini.
Quenehen respeta la monumental obra de Hugo Pratt, traicionándola con mucha elegancia. Además, es una aventura gráfica que nos recuerda que Bastien Vivès es uno de los mejores artistas con los que cuenta el medio en este momento y en todo el mundo. Es un añadido moderno y libre al universo de una saga prodigiosa, una aportación que en todo momento está a su altura, quizás no de sus mejores aventuras pero sí muy por encima de las peores.
La saga de Corto Maltés realizada por Martin Quenehen y Bastien Vivès es apasionante, honda y emotiva. Los autores la han tejido de una forma comprometida y brillante, con un arte veraz, exacto y hermoso. Está completamente impregnada del espíritu de Hugo Pratt, pero se atreve a explorar nuevos caminos con total insolencia, sin preocuparse del que dirán, cruzando cualquier frontera imaginaria que los aficionados más timoratos delinean constantemente. Seguramente por todo esto el gran maestro del cómic europeo está sonriendo allá donde se encuentre. No es para menos…
El árabe del futuro (2014-2024), de Riad Sattouf – Salamandra Graphic
Por mucho que les pese a los patriotas de las pulseritas de banderas y a los que están todo el santo día llamando taxis, la realidad es que la sociedad europea es multicultural y multiconfesional. Una realidad que no viene de ahora, ya durante toda su historia ha sido un territorio que ha sufrido todo tipo de invasiones y movimientos de población que han ido forjando la identidad cultural actual. Una permeabilidad a otras formas de pensar e idiomas que ha enriquecido la cultura de todos los países cando lugar a una mezcla de la que es un perfecto ejemplo Riad Sattouf (Paris, 1978), uno de los mayores talentos del cómic francés actual. De entre todos sus trabajos, quizás el más completo y complejo es la serie de seis números El árabe del futuro en la que relata su infancia y adolescencia que paso a caballo entre Francia, el país natal de su madre, Libia y Siria. Unos traslados forzados por los diferentes trabajos que tuvo su padre, un profesor universitario sirio formado en la Sorbona.
Unas de las grandes virtudes de la serie es que es un relato en primera mano que nos permite ver cómo eran las diferentes realidades de esos países a través de la mirada de un niño y como va cambiando su perfección a medida que va haciéndose mayor. Algo que también sucede con su forma de ver a su padre, del que igualmente podemos ver la forma en la que va radicalizando sus posturas con el paso del tiempo. De forma que estamos ante una serie que orbita entre la historia iniciática de Sattouf, con una última parte en la que nos narra sus comienzos en el medio, y el drama familiar marcado por una decisión de su padre, que conocemos en el cuarto volumen, y que altera por completo la vida de toda la familia.
La serie está narrada con una sencillez y efectividad que ha permitido acercarse a ella a cualquiera, gracias a un estilo heredero de la línea claro, aunque muy personal y con aciertos como usar un color principal dependiendo de en qué país transcurre la historia.
Riad Sattouf nos regala una obra en la que expone sin ningún tipo de filtro su vida, un periplo nómada lleno de constantes choques culturales y que nos permite ver como siempre se ha sentido totalmente desplazado siendo siempre el extranjero en tierra ajena. Pero pese a algunas vivencias realmente terribles, el autor de Los cuadernos de Esther siempre nos muestra un punto de vista lleno de esperanza y con toques de humor que cristaliza en un final de serie en el que vemos como por fin consigue ser el árabe del futuro que él quiere ser, no el que quería su padre que fuera.
¡Por Tutatis! (2022), de Lewis Trondheim – Astiberri
Publicado por Astiberri, ¡Por Tutatis! representa una ruptura creativa dentro del universo de Astérix, a pesar de no ser una historia oficial o canónica. Aunque las ventas siempre han respaldado la línea tradicional de la serie, muchos lectores y críticos habían sentido que hacía falta una evolución más valiente. Lewis Trondheim (Fontainebleau, 1964), reconocido autor de cómic alternativo y figura clave de la editorial L’Association, ofrece en esta obra un homenaje irreverente pero muy respetuoso al mundo creado por los geniales autores René Goscinny y Albert Uderzo.
Desde la portada, ¡Por Tutatis! se presenta como algo diferente. No es un tebeo convencional de Astérix, pero sí un trabajo profundamente influenciado por su esencia. Lewis Trondheim manifiesta su admiración por los creadores originales y la importancia de mantener viva su obra. Sin embargo, desde las primeras páginas rompe con las convenciones y se lanza a una propuesta cargada de surrealismo, metaficción y sátira contemporánea.
La historia gira en torno a Lapinot, un personaje habitual en la obra de Trondheim, quien asume el rol de Astérix. Aunque visualmente es un conejo antropomórfico, los lectores lo ven caracterizado con el icónico atuendo del héroe galo. Lapinot es plenamente consciente de que se encuentra dentro del universo de Astérix, como si hubiera atravesado una madriguera al estilo de Alicia en el país de las maravillas. Este cruce de realidades permite que elementos del mundo actual, como expresiones populares o incluso el Covid-19, se filtren en la historia, generando un contraste cómico y crítico. A lo largo del cómic, se hace un repaso a muchas de las aventuras clásicas de la serie como Astérix y los Godos, Astérix en Bretaña o Astérix en Hispania, en un ejercicio de continuidad y homenaje que revela el profundo conocimiento de Trondheim sobre el universo original. Junto a Lapinot aparecen personajes emblemáticos como Obélix, Idefix, Abraracúrcix, Panorámix y muchos más, todos recreados con el humor característico y los gags recurrentes de siempre. Sin embargo, se echa en falta la presencia femenina, ya que personajes como Karabella y otras mujeres de la aldea están completamente ausentes.
Uno de los grandes aciertos de la obra es cómo combina el respeto por la tradición con una crítica a sus limitaciones. Trondheim reflexiona sobre la violencia blanqueada en los cómics clásicos y lleva ese elemento al extremo con consecuencias cómicamente trágicas del uso excesivo de la poción mágica. También se permite incluir temas más serios como la religión, la política o el ecologismo, todo tratado con ironía y frescura.
Visualmente, el estilo de Trondheim es claro y más cercano a lo infantil, recordando incluso a Hora de aventuras, pero mantiene la identidad visual de los personajes y lugares. Brigitte Findakly aporta el color, contribuyendo a que la aldea gala sea fácilmente reconocible.
En definitiva, ¡Por Tutatis! es una obra brillante que, aunque no forme parte del canon oficial, se presenta como el mejor cómic reciente relacionado con Astérix en el presente siglo. Con humor, inteligencia y un enfoque renovador, Lewis Trondheim reinterpreta el legado de Goscinny y Uderzo sin traicionarlo, aportando una mirada fresca y actual al universo galo.
Persépolis (2000-2003), de Marjane Satrapi – Reservoir Books
Persépolis de Marjane Satrapi (Rasht County, 1969) es una obra más relevante que de indudable calidad. Su principal baza, su importancia real es que constituye un testimonio veraz, directo y conmovedor de un momento histórico trascendental y terrible; el auge de la dictadura de los Ayatolás en Irán.
Esta obra narra en primera persona la infancia y adolescencia de la propia autora, un período en que su mundo es literalmente destruido. La caída del reinado autoritario de Mohammad Reza Pahlevi, Sah de Irán, no supone una mayor libertad para el pueblo si no que la Revolución islámica iraní acaba siendo un retroceso terrible en materia de derechos humanos, especialmente para las mujeres.
Marjane Satrapi tiene unos diez años cuando esto pasa y vive en el seno de una familia progresista y de tendencia occidental. El choque es tremendo y finalmente la niña se traslada a Europa donde también sufre la intolerancia y la represión religiosa católica hasta que se emancipa. Vuelve al Irán de postguerra y allí descubre que es una extranjera y finalmente en 1994 ya liberada de sus ataduras familiares, morales y políticas se instala en París.
La obra se publicó inicialmente en cuatro libros y contó con una adaptación cinematográfica del mismo nombre, estrenada en 2007 que también contó con buenas críticas. Esta film de animación fue dirigido por Vincent Paronnaud y fue candidato al Oscar de Mejor película de animación del año siguiente.
El valor testimonial e histórico de esta obra es inmenso y por ello ha recibido innumerables premios como el Premio Harvey a la mejor obra extranjera en 2004, el Premio al mejor guión en el Festival de Angoulême de 2002 o el premio de la paz Fernando Buesa Blanco en 2003. Su autora recibió el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades de 2024. El jurado dijo de la autora que era un ejemplo en la: “defensa de los derechos humanos y la libertad, un símbolo del compromiso cívico liderado por las mujeres”.
Una perfecta definición de lo que supuso y sigue suponiendo Persépolis para el patrimonio cultural universal.
Epiléptico (1996-2003), de David B. – Salamandra Graphic
Una obra que conocimos de la mano de Sins Entido con el mucho más poético y evocador título La ascensión del gran mal, que hace referencia a como se llamaba durante mucho tiempo en Francia a la epilepsia. Una enfermedad que marcó la vida de David B., nacido Pierre-François Beauchard en Nimes en 1959, y de su familia desde que su hermano mayor Jean Christophe sufrió los primeros ataques cuando era un niño a finales de los años sesenta. Para tratar de buscar una cura sus padres hicieron todo lo posible consultado a todo tipo de médicos, psiquiatras, psicólogos chamanes, curanderos y vendedores de humo varios, además de probar cualquier dieta o filosofía que le pudiera dar algo de esperanza. Un periplo que el francés – autor de obras recientes como Diario de Italia o Hâsib y la reina de las serpientes – publicó en seis volúmenes aparecidos entre 1996 y 2003 y que fue una de las obras señeras de la recién nacida editorial independiente L’Association, que trajo aires frescos a un cómic francobelga que estaba demasiado acartonado a finales de los noventa.
A lo largo de la obra vemos como un abrumado y derrotado Jean Christophe va perdiendo cualquier atisbo de fuerza y ganas por luchar contra la enfermedad y de manera paralela vemos como David B. va encerrándose en una armadura para evitar sufrir daños tras ir siendo consciente de que no va a poder ayudar a un hermano que ha perdido sin darse cuenta. Una historia de paso a la madurez en la que hay mucha amargura y en la que el autor francés no es nada complaciente con su hermano, al que demuestra mucho amor, pero sin privarse de hacerla algunos reproches. Uno de esos cómics en los que se siente que el autor ha puesto toda su alma si guardarse nada para poder realizar un ejercicio de catarsis, que no eran para nada habituales hace veinticinco años.
En las páginas de esta obra nos encontramos con un narrador superlativo que desde la sencillez de una estructura de página clásica de tres por tres viñetas sabe dejar espacio a una historia en la se dan cita sus sueños, sus fantasías infantiles, los recuerdos familiares, un repaso por la historia de casi cada uno los métodos que la familia empleo para buscar un cura, relatos históricos bélicos y al final un relato biográfico de sus primeros años de adulto y su entrada en el mundo del cómic. Todo ello dibujado en un poderosos e impactante blanco y negro en el que vemos a un dibujante que ya es un maestro del claroscuro, tan minucioso como capaz de adaptar su trazo para reflejar cada una de las diferentes emociones que experimentan sus atribulados personajes.
El puerto prohibido (2016), de Radice y Turconi – Nuevo Nueve Editores
Hasta que hace unos años la editorial Panini no ha comenzado a editar en nuestro país los tebeos de Disney producidos en los últimos tiempos en Italia. La labor de gran parte de los autores que los realizan ha estado vedada para nosotros, ya que son trabajos mucho mejor pagados que los de autor que son los que nos acostumbran a llegar del país transalpino. Algo que había pasado con los trabajos de la pareja creativa formada por Teresa Radice (1975) y Stefano Turconi (1974), por suerte hace años que podemos disfrutar sus cómics pensado para un público adulto gracias a las editoriales de Ricardo Esteban desde que nos trajera hace más de diez años la maravillosa El puerto prohibido. Así hemos podido disfrutar de otras joyas de la pareja como No te canses de caminar, La tierra, el cielo, los cuervos o la más reciente El contador de historias, pero ninguna tan bella e impactante como la que nos ocupa.
Un cómic con el mejor sabor de las novelas de aventuras navales, las románticas de Jane Auster o las hermanas Brönte, una pizca de las novelas góticas de terror y unos cuantos versos de los poetas ingleses como Lord Byron, Samuel Taylor Coleridge o William Wordsworth. Una mezcla heterogénea que en manos de los dos autores italianos se convierte en una historia memorable llena de personajes inolvidables que rezuman humanidad como Abel, Rebecca, Nathan, Jasser Allali o Las chicas de Pillar. Estas últimas han protagonizado ya tres entregas de su propia serie que es fiel al espíritu de esta hermosa obra como no podía ser de otra manera al estar firmada por los mismos autores.
Pese a esas referencias eminentemente literarias estamos ante un cómic que sabe aprovechar muy bien las posibilidades del medio y consigue mantener el interés pese a resolver el misterio que hace que la trama arranque en el segundo de los cuatro actos que lo componen. Pero el resto de tramas abiertas en las que vemos todo tipo de viajes, exteriores o interiores, que nos hablan de la redención, el destino, el honor, las segundas oportunidades, las separaciones y la manera de encarar el futuro para seguir adelante tras una perdida. Un autentica maravilla coronada con unos dibujos del extraordinario Stefano Turconi que son bocetos llenos de detalles y un belleza y poesía visual que van como anillo al dedo a toda la magia y romanticismo bien entendido, y nada moñas, que desprende cada viñeta.
Érase una vez en Francia (2007-2012), de Fabien Nury y Sylvain Vallée – Norma Editorial
Toda la historia de Érase una vez en Francia gira alrededor de Joseph Joanovici, un judío rumano que a comienzo de siglo XX, siendo tan solo un niño, consigue escapar de la Rusia Imperial junto a su futura esposa Eva. Instalados en Francia, Joseph demuestra tener buen ojo (o buen diente) para los metales y desde bien abajo comenzará una exitosa carrera como empresario de la chatarra.
Así pues, a pesar de tratarse de un analfabeto, este controvertido personaje que existió realmente consiguió muchísimo dinero incluso cuando los nazis ocuparon Francia. Jugando a varias bandas, Joseph consiguió salvar a gente de un destino fatal, mientras se lucraba proporcionando a los alemanes metales, muchas veces, saboteados. En el cómic vemos varios saltos temporales y como el juez instructor Legentil de Merlun, que recuerda mucho al inspector Javert de Los miserables, se obsesiona con que Joanovici sea juzgado por sus varios crímenes, incluyendo el asesinato. Entre medias, un montón de personajes que orbitan alrededor de la figura del protagonista que tendrá su particular caída a los infiernos tras saborear las mieles del éxito.
Fabien Nury (Burdeos, 1976), padre de la criatura, es un reputado guionista de nuestro país vecino. En su haber destacan grandes títulos como Carlota Emperatiz, Silas Corey, El oro y la sangre o Tyler Cross. Con un gusto inequívoco por la historia, Nury acostumbra a situar sus tramas en siglos pasados. De hecho, como ocurriera en Érase una vez en América, el guionista francés repite colaboración con Sylvain Vallée (Sannois, 1972) en la serie Katanga, de similar extensión e igualmente recomendable. El dibujante de Antananarivo da el do de pecho combinando dibujo realista y caricatura lo que da como resultado personajes perfectamente reconocibles que gozan de una gran expresividad.
Érase una vez en Francia recuerda a películas clásicas del género como El Padrino o, su prima hermana, Érase una vez en America. Una estupenda lectura que cuenta con todos los elementos para hacer disfrutar a todo tipo de lector. Poseído por el espíritu de Sergio Leone, el bueno de Nury convierte a Joanovici en su particular Noodles.
Los buenos veranos (2015-2021), de Zidrou y Jordi Lafebre – Norma Editorial
Las palabras encadenadas, el veo-veo o canciones populares entonadas al unísono mientras un sol de justicia se encargaba de abrasar a todos los integrantes del vehículo. Horas interminables en la carretera como consecuencia de kilométricos atascos. Esta estampa, que seguro a más de uno genera harta nostalgia, nos retrotrae a las temporadas estivales de nuestra niñez. Precisamente, apelando a esos recuerdos, Zidrou (Anderlecht,1962) y Jordi Lafebre (Barcelona, 1979) gestaron una serie cargada de buenos sentimientos que, en realidad, puede ser leída en cualquier estación del año.
Teniendo en cuenta la carrera del guionista belga, era impensable que alguna de sus obras no acudiera a esta prestigiosa cita. Grandes títulos como Lydie, La Mondaine o La obsolescencia programada de nuestros sentimientos ya provocaron que le dedicáramos un especial en nuestro podcast. Zidrou encontró en Lafebre la horma de su zapato. Tras colaborar en varios álbumes, el artista catalán emprendió vuelo en solitario regalándonos dos cabeceras de la talla de Carta blanca y Soy su silencio.
Volviendo a la obra que nos ocupa, Los buenos veranos tiene como protagonista a la familia Faldéraut. Tras un año de duro trabajo, toca disfrutar de unos días de asueto. Cada álbum recoge las vacaciones de un año en concreto, pero no lo hace cronológicamente. De esta forma, la serie comienza en 1973, en el siguiente tomo regresamos a 1969 para, en el tercero la acción transcurrir en 1962 y, en el cuarto, avanzamos a 1980. En total son seis historietas que se pueden leer de manera independiente y, por qué no decirlo, de manera desordenada. El quinto álbum tiene la peculiaridad de que el contexto nos sitúa en Navidad en lugar del tan recurrente verano que presta su nombre al título.
Sonrisas y lágrimas. A pesar de que en Los buenos veranos predomine el buen rollo, no todos los acontecimientos de los que seremos testigos nos provocarán una carcajada. Como en la vida misma, Zidrou explora el paso del tiempo y lo hace con personajes que tienen fecha de caducidad. Embarazos, relaciones LGTBI, noviazgos de juventud, discusiones maritales… son elementos que en la coctelera de este guionista afincado en España da como resultado un preparado de lo más sabrosón. Hablando de delicias, no podemos olvidarnos de las patatas fritas belgas ni de Don Bermellón, ese Renault 4 escarlata que funciona como un personaje más de Los buenos veranos.
En definitiva, Los buenos veranos es una obra que entra directa a nuestro corazón permitiendo desempolvar recuerdos que teníamos olvidados. Todo ello apoyado en el extraordinario dibujo de un Lafebre que sabe transmitir emociones como nadie.
SE HAN QUEDADO A LAS PUERTAS
Andy de Typex; Hasta el último de Jerôme Félix y Paul Gastine; Valerosas, de Pénélope Bagieu; La blusa, de Bastien Vivès; Bouncer de Alejandro Jodorowsky y François Boucq; Píldoras azules, de Frederik Peeters; No siento nada, de Liv Strömquist; Shangri-La, de Mathieu Bablet; Las 5 tierras, de Lewelyn y Jérôme Lereculey; Mis circunstancias, de Lewis Trondheim; La profecía del armadillo, de Zerocalcare, Los casos de Sally Salinger, de Anthony Pastor o La mondaine, de Zidrou y Jordi Lafebre, entre otras.
Y el caso curioso de Blacksad de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido…
La primera parte de la lista la podéis encontrar aquí.
Y hasta aquí estos dos capítulos tan especiales de vuestra revista dedicada al cómic de la Vieja Europa. Nosotros volveremos una vez pasados los rigores de este verano tan tórrido y peligroso. Cuidaros y pasad la calor estival con los mejores cómics que podáis encontrar. Queremos que sigáis acompañándonos hasta llegar mucho… Más allá de la Galia.
Del tiempo que llevo leyendo esta web, me he dado cuenta que estas listas suelen ser un tanto polémicas. Pero a mi siempre me han servido para encontrar recomendaciones, como sucedió con el listado de las obras imprescindibles del comic franco-belga que publicaron hace algunos años. Así que muchas gracias por su trabajo.
Excelente, me guardé ambos artículos de este ranking para leerlos con calma y apunto varias recomendaciones de cómics que no he leído. Muchas gracias por este currazo.