ZN Indie: Novedades USA #76

Volvemos con una nueva entrega del Novedades USA de ZN Indie. Un cómic vintage, uno de romanos, otro de dioses griegos y, sorpresa, DSTLRY, la editorial que estabamos esperando con mucha curiosidad.

The Devil’s Cut

Por fin tenemos una copia de The Devil’s Cut, la carta de presentación de DSTLRY, la nueva editorial de David Steinberger y Chip Mosher, fundador y jefe de contenido de ComiXology respectivamente. Este especial es una antología de relatos breves que sirven como presentación de los autores que formarán parte de la primera remesa de series regulares. Ocho de estos relatos son también una presentación de la serie regular en la que están trabajando sus autores. En el momento de publicarse esta entrada, sólo se han hecho públicas tres de esas series.

Los relatos de The Devil’s Cut son:

• Spectegraph, de James Tynion IV y Christian Ward: Un espeluznante relato de terror y ¿ciencia-ficción? Christian Ward se contiene hasta esa última página final que se me quedará grabada en la retina.
• Shepherd, de Marc Bernardin y Ariela Kristantina: Relato anodino y superfluo cuyo único propósito parece ser el de introducir una de la series regulares aún sin anunciar. Ni de lejos el mejor trabajo de Kristantina, que espero que se esté reservando fuerzas para esa serie regular.
• 8 Rules To Make It Out In One Piece, de Elsa Charretier y P.K. Colinet: Una desternillante historia de espías y mi relato favorito de este especial. Charretier, tan genial como siempre dibujando. Que cuenten conmigo para cualquier serie que la autora francesa realice en solitario o con su co-escritor.
• What’s Mine Is Hearse, de Stephanie Phillips y Joëlle Jones: Un desperdicio del talento de Joëlle Jones.
• A Blessed Day, de Mirka Andolfo: Teaser de Blasfamous, la primera serie de Andolfo que publicará la editorial. Se nos presenta a uno de los personajes de la serie y se nos invita a leer la serie. Francamente, no me interesa en absoluto el tema de la fama en la era de TikTok e Instagram. Seguramente gustará a los fans de la autora.
• The Stowaway, de Jock: Al igual que la contribución de Mirka Andolfo a esta antología, más que un relato esto es un teaser de la serie regular su autor. En este caso, Gone, cuyo primer número se publicó el mes pasado y del que os ofrecemos nuestra impresión en esta misma sección.
• Deleted Scene #2, de Brian Azzarello y Eduardo Risso: ¿Veremos a Risso trabajar con otro guionista antes de su jubilación? El equipo creativo de Moonshine está preparando un western. Como indica el título, estamos ante una escena que Azzarello quitó de la versión final del guion del primer número. Imposible decir si el guionista por fin ha reencontrado un poco de inspiración tras años de mediocridad. Sólo puedo decir con certeza que las ilustraciones de Risso, inspirado por los westerns europeos, son muy, muy bonitas incluso cuando hay sangre y cadáveres de por medio.
• White Boat, de Scott Snyder y Francesco Francavilla: Se nota quién es el guionista: sólo Snyder podría escribir tantos cuadros de texto en un relato tan corto. En esta ocasión la verbosidad resulta ventajosa. El escritor se las apaña para ofrecer una historia de terror con un final satisfactorio y hecha a medida para el genial Francavilla.
• What Happens Next…, de Jamie McKelvie: Inteligente relato de ciencia-ficción en la que su autor se deja influir por el cómic europeo con excelentes resultados. Su autor no descarta hacer una serie ambientada en el universo de la serie, muy buena noticia.
• Waiting To Die, de Ram V y Lee Garbett: Un relato de tintes filosófico, como no podía ser de otro modo con este equipo creativo. Aunque flojea el final, agradezco que tengamos un relato calmado e intelectual en una antología destinada a atraer lectores americanos, muchos de ellos alérgicos a esta clase de historias.
• What Blighted Flame Burns In Thee?, de Becky Cloonan y Tula Lotay: No hacía falta ningún relato para venderme una serie de terror y erotismo a cargo de estas dos autoras. Estoy esperando con impaciencia el lanzamiento del primer número de Somna. Este relato me deja más impaciente aún.

En una antología nunca va a haber historias del agrado de todos, pero en este caso hay historias que deberían haberse ofrecido como material promocional o extras de alguna edición especial. No aportan nada excepto incrementar el precio de este especial, un precio demasiado alto para lo que ofrece.

Valoración: Especial anecdótico. Gastaros vuestro dinero en las series regulares.

Gone #1

Aquí la tenemos, la primera serie mensual de DSTLRY. A diferencia de sus competidoras, esta nueva editorial apuesta por el formato prestigio. Cada número tiene papel de alta calidad, un tamaño más cuadrado y grande que el de una grapa habitual, y 48 páginas. Según la editorial, el formato comic-book de las grapas norteamericanas no es sostenible, ni para ellos ni para autores o lectores. La mayor parte de los costes de producción son fijos, por lo que no tiene sentido imprimir grapas pequeñas de tan solo 20 páginas que cuesten tanto dinero. Estoy de acuerdo, pero que nos engañen los editores: también apuestan por este formato para atraer a los coleccionistas. Hay a la venta ediciones limitadas en físico y digital de este cómic. La edición digital de este cómic dejará de venderse la semana que viene, y el único modo de comprar una copia digital será en una plataforma oficial de reventas que la editorial inaugurará en 2024. Como un mercado de NFTs, pero sin consecuencias negativas para el medioambiente.

Aparte de un buen bonus financiero si las ventas acompañan, la mayor ventaja de este formato para Jock ha resultado ser el poder tomarse con calma la introducción de su nueva serie, Gone. En aquella breve historia de Savage Wolverine hace años el autor demostró ser un escritor que, aunque competente, tenía dificultad estructurando su historia en episodios de veinte páginas. Con un mayor número de páginas, el guion de Gone es mucho más satisfactorio que los de Savage Wolverine. Incluso a pesar de repetir todos los clichés de la ciencia-ficción distópica del indie americano (no faltan ni las empresas malvadas ni las desigualdades sociales llevadas al extremo), consiguió mantenerme interesado en el devenir de su personaje, un logro que, no obstante, tampoco es tan impresionante cuando hablamos de un dibujante como Jock. Ésta es la clase de serie que uno lee principalmente por lo bien dibujada y narrada que está. Con tantas páginas a su disposición, el autor se concede el capricho de dibujar splash page dobles y otras páginas donde el tiempo se detiene y podemos degustar lo gélido y sucio que es el mundo que ha creado en esta serie o contemplar la desesperación de su protagonista.

El talento y esfuerzo de Jock como narrador son más que suficientes para justificar el formato prestigio. En cuanto al precio, aquí entra en juego la preferencia de cada lector y lo mucho que esté dispuesto a leer otra serie de ciencia-ficción con el argumento de siempre.

Valoración: Para fans del dibujante y series como su Snow Angels.

Hunt. Kill. Repeat #1

Tenía muchas ganas de leer esta serie, una de las más populares de Mad Cave Studios, editorial que se está haciendo un hueco en el abarrotado mercado indie fichando a autores con cierto renombre. Estos autores vienen con sus propias ideas o se encargan de desarrollar las ideas del equipo editorial, como es el caso de Hunt. Kill. Repeat. Esta serie ha sido diseñada para vender muchas grapas y tomos recopilatorio con un cóctel de acción y dioses griegos. Su editor y creador la define como una mezcla de Kill Bill y Furia de Titanes (sospecho que la saga de videojuegos God of War también habrá sido una influencia). Y eso es lo que ofrecen los autores encargados de hacer realidad esta propuesta.

El guion de Mark London toma prestados muchos elementos de Kill Bill, tantos que me atrevo a calificar el primer número de la serie como una copia del argumento de la película de Quentin Tarantino. Si en esa película teníamos a una asesina vengando la muerte de su prometido y su hijo a manos de sus ex compañeros, aquí tenemos a la diosa Artemisa vengando la muerte de su prometido y su hijo a manos de los otros dioses del Olimpo, que han conquistado el mundo moderno. Ambas heroínas, Uma Thurman y Artemisa, despiertan de un coma dispuestas a derramar sangre y vísceras. Se repite cierto giro de guion y tenemos a un maestro herrero que puede forjar armas con las que matar a un dios (en este caso, literalmente).

Claro que hay diferencias entre la película y el cómic, la mayor de ellas la calidad. Aunque competente, el guion de London tiene muy, muy poca imaginación. La influencia de Furia de Titanes se ve sólo en la estética de la serie, que ni siquiera resulta interesante porque es la misma que hemos visto en demasiados cómics mediocres de Wonder Woman: unas armaduras griegas por ahí, unas alas por allá y poco más. No me sorprendería que su dibujante, cuando gane más experiencia, acabase dibujando alguna miniserie de la amazona de DC Comics.

Uno pensaría que la mitología griega daría para más que una aburrida copia de Kill Bill, pero quién soy yo para cuestionar a editores y autores profesionales del cómic norteamericano. Si esto es lo quiere el público de su país… Como lector europeo, no pude pasar del primer número.

Valoración: Alabado sea el cómic europeo, donde aún hay historias que mezclan acción y mitología de formas mucho más interesantes e innovadoras.

Dead Romans

Da gusto ver que el sello Shadowline de Image apuesta por series nuevas que no son de terror, ciencia-ficción o superhéroes, los géneros que dominan el indie norteamericano. Es por eso que me duele escribir un texto tan negativo sobre esta Dead Romans, serie que tiene el mismo problema que Hunt. Kill. Repeat.

Bien podría haberse ambientado esta serie en una época diferente a la del Imperio Romano o incluso en un mundo ficticio de fantasía o ciencia-ficción, porque el guion de Fred Kennedy no hace nada especial o interesante con una premisa tan jugosa como la de un traidor intentando cambiar el devenir de las guerras marcomanas. Predecible en todo momento, el guion crea una historia con los mismos resortes, arquetipos y mecanismos que el de cualquier otro cómic indie de acción convencional. El protagonista no es un soldado romano, sino un héroe de acción cualquiera que viste como un legionario romano, y la mayor parte del cómic son escenas de batallas o persecuciones, a veces intercaladas con discusiones de estrategia militar que nunca se pondrá en uso porque eso significaría hacer escenas de acción diferentes a las habituales en un cómic americano.

Nick Marinkovich sale mejor parado. A pesar de lo rígido y abocetado que resulta su dibujo, el dibujante se esfuerza mucho, atreviéndose con imágenes y composiciones de páginas que están por encima de sus habilidades, pero es de agradecer que no quiera echar a perder su gran oportunidad en Image ni decepcionar a los lectores. Sus limitaciones las esconde gracias a los juegos de sombras y sobre todo a los colores de todo un profesional como José Villarrubia, pero puede que en unos años, si sigue esforzándose, no tenga que recurrir a estos trucos. Así podría permitirse dibujar guiones mejores.

Valoración: El Gladiator de Image, pero sin la épica o entretenimiento de esa película.

G.I. Joe: A Real American Hero #1 Larry Hama Cut

Junto al número 301 de G.I. Joe: A Real American Hero, que ha cautivado a nuestro jefe Igor, Skybound Entertainment, nueva dueña de la licencia, ha publicado una edición especial del primer número de la serie. Un Larry Hama Cut que restaura el guion original, que contenía un monólogo que los editores de Marvel reescribieron sin el consentimiento del guionista.

En la introducción a esta edición, Hama opina que esa reescritura le da a la serie un tono ultranacionalista que no representa en absoluto sus opiniones. Comparando ediciones, estoy de acuerdo con que los editores de Marvel edulcoraron el tono de la serie cambiando ese monólogo; pero aun así me sorprende y entristece que pueda haber gente que piense que este cómic esté abordando temas adultos como la guerra con solemnidad y seriedad. G.I. Joe es una marca de juguetes creados para niños, no representa en absoluto la realidad; de hecho, Hasbro siempre ha intentado evitar a toda costa cualquier parecido de la marca con conflictos reales. El villano de la serie es un tipo enmascarado, obsesionado con las cobras, que opera en bases submarinas como un villano de James Bond. Los soldados enemigos visten como si fueran de un cómic de superhéroes. ¡Y hay un ninja en el bando de los buenos! Nadie con sentido común se quedaría con la impresión de que el contenido de este cómic refleja las opiniones de su autor en cuestiones como, digamos, la Guerra de Vietnam.

Monólogos aparte, este número es justo lo que esperaba encontrar: un cómic de Marvel de los 80 por un guionista primerizo y un dibujante que, seamos francos, recibía encargos gracias a su buen carácter y rapidez dibujando, no por la calidad de sus trabajos. Un cómic hecho por autores bajo la enorme presión de fechas de entregas crueles que no permitían correcciones o mejoras en el guion o dibujo. Un cómic concebido para atraer a niños americanos sin mucho criterio ni gusto y venderles juguetes. Un cómic realizado, editado y supervisado por adultos que, en el mejor de los casos, doblaban en edad a su público. Un cómic que a pesar de todo me ha entretenido mucho.

Como todo cómic Marvel antiguo, el primer número de G.I. Joe asume que el lector no va a comprar el siguiente número, por lo que ofrece una historia con tanta acción y diálogos por páginas como es posible. En cambio, la mayoría de la series actuales parecen creer que los lectores ya hemos encargado el siguiente número o estamos leyendo el tomo recopilatorio, pues sus números uno suelen ser introducciones lentas que muchas veces se dejan lo más interesante para futuros episodios. Por supuesto, cada serie necesita su propio ritmo; la formula de los cómics Marvel también limitaba la creatividad e impacto de muchas historias al no dejar que el dibujo respirase. Pero ya podrían aprender muchos autores de Hama y Herb Trimpe, que en un solo número presentan las bases del universo G.I. Joe y aún tienen tiempo para contar una aventura completa.

Valoración: ¡USA, USA, USA! Un cómic para nostálgicos de los 80 y de una forma de hacer cómics comerciales cada vez menos común.