El Dibujo como Herramienta Expresiva

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    En nuestro análisis sobre las características de la caricatura, hará unas semanas, acabábamos concluyendo una obviedad: “La caricatura revela ser un extenso territorio repleto de estilos diversos. Cada uno con diferentes potencialidades emocionalmente representativas“. En lenguaje llano, cada estilo de dibujo comunica de manera diferente.

    Una obviedad, como ya hemos dicho. Una perogullada… pero una perogullada que a veces tiende a ser olvidada o, cuanto menos, obviada.

    En una más que interesante entrevista que tuvo a bien traducir el Tio Berni para Entrecomics, el autor canadiense apodado Seth (Ventiladores Clyde, La vida está bien si no te rindes) decía lo siguiente:

    “Cuanto más detallado es el dibujo –cuanto más tiende a captar la “realidad”- más ralentiza la narración y mata el lenguaje de la historieta. No me entiendas mal; el dibujo puede ser muy específico, no tiene por qué ser genérico. Simplemente tiene que convertir las imágenes en dibujos apropiadamente. Los dibujos se convierten en símbolos que están organizados en la página (y dentro de las viñetas) en el modo más lógico para hacer que la lectura de la historia funcione; pones esas imágenes dibujadas juntas de forma hacen lo que tú quieres. No estás preocupado tanto por dibujar apropiadamente una imagen de la calle como por mover el ojo del lector por la página en el modo en que quieres que se mueva. Tratar de dibujar con realismo simplemente provoca una miríada de frustraciones en cuanto al uso apropiado del lenguaje del cómic. Piensa en el lenguaje de la historieta como una serie de caracteres (letras) ordenadas deliberadamente para formar palabras

    (…)

    Idealmente, cuando el observador “lee” una historieta, está ingiriendo la información de la misma manera que cuando está leyendo un texto. Toma las palabras y los dibujos icónicos condensados y procesa esa información para dar vida a la historia, muy parecido a lo que hace cuando lee las letras impresas de una novela.
    Cuando miras una pintura, no tiendes a leer la imagen de la misma manera; en lugar de eso, observas. El ojo va de un lado a otro decidiendo “qué significa” todo eso. Algunas pinturas son más directas en el modo en que controlan el ojo, pero aún así creo que es un proceso enteramente diferente. Tú no miras un cómic –lo lees. Incluso si no hay palabras en la historia, estas leyendo esas viñetas: son todo pequeños bloques de información. Un dibujo o pintura trata de transmitir la experiencia de vivir en el mundo de una manera muy distinta: es más una experiencia sensorial, una experiencia externa. La lectura del cómic sucede más dentro del lector, es un proceso mental diferente… una experiencia solitaria.

    Chris Ware

    Si estas dibujando un cuadro de una casa, quieres que parezca una casa, una casa específica. Sin embargo, para hacer un dibujo de cómic apropiadamente, tienes que simplificarla a un gráfico utilizable. Tienes que caminar por la fina línea entre tratar de transmitir un elemento “real” del mundo en que vivimos que sea reconocible como lo que es, en toda su especificidad, y hacer una imagen icónica y lo suficientemente simple para poder moverla con efectividad por la página como un elemento de lenguaje del cómic. No quieres caer demasiado en lo icónico porque entonces la historia se vuelve visualmente aburrida, y no quieres ser demasiado detallado (o real) porque entonces los dibujos se convierten en cosas muertas puestas ahí en la página y entorpeciendo la lectura del lenguaje del cómic. Por supuesto, este intento de equilibrio puede romperse en cualquier momento por su propio efecto: de vez en cuando puedes querer una historia que sea enteramente icónica/genérica y de vez en cuando puedes querer ralentizar una historia con un dibujo “real”.”

    Asumiendo el riesgo de evidenciar que he malinterpretado las palabras de Seth, me atreveré a contradecirlo en relación al tema que nos ocupa. Comparto la opinión de este brillante historietista sobre la necesidad que, el apartado gráfico de los cómics, tiene de fluir por toda la página. El dibujo en cómic debe poder comunicar movimiento y debe facilitar que nuestra mirada se mueva a través de la página. Y coincido con él en qué estilos gráficos demasiado cercanos al realismo de la fotografía o de cierta pintura figurativa son inadecuados para la historieta, a pesar de su “efectismo”. Le es connatural, al cómic, cierta estilización en el retrato que hace de la realidad.

    Pero me parece que Seth se centra demasiado en la carga narrativa del dibujo, obviando su función expresiva… o como mínimo, su condición expresiva. El dibujo, cualquier dibujo, comunica. Por supuesto. Pero lo hace, hasta donde alcanzo yo a entender, en dos niveles. A nivel intelectual y a nivel emocional. El dibujo no es tan solo una condensación de información, de datos, que llevan a su vez incorporada una carga emotiva. Sino que en él hay también, en el tipo de línea, en las características del trazo, en sí mismo, una potencia sugestiva repleta de contenidos afectivos. Unas características formales capaces por sí solas de impactar en nuestra sensibilidad. El dibujo no es sólo semántica. También es estética. No sólo intelección, también emoción.

    Podemos hallar algo de esto en las siguientes palabras de Joe Kubert (Tor):

    “Cuando planifico una página intento crear una imagen gráfica muy fuerte, que provoque una respuesta en el lector, para que examine atentamente el dibujo y así entre en la historia. Quiero que todo parezca real para que, por increíble que sea la situación, el lector logre sentirse partícipe de ella. Si el lector no se la cree, todo lo que yo haya hecho no servirá para nada. Para conseguir esto, tengo que lograr que las expresiones, los fondos, la anatomía y todo… tenga un sentido “real” y creíble.”

    Kubert/Epic/Planeta

    Las hipotecas que Joe Kubert debe asumir para transmitir esa impresión de realismo, posiblemente, afecten a la fluidez de su dibujo. Obligándole a encontrar una narrativa visual que compense la menor maleabilidad de ese detallado grafismo suyo. Una secuencialidad, en el caso de Kubert, basada en fuertes contrastes que dinamizan la página.

    Y Kubert lo hace, adentrándose por ese sendero, en ese storytelling suyo tan particular, para así no renunciar a impregnar sus historias de la sensibilidad que desea comunique su estilo de dibujo .

    Un caso aún más claro, de las diferentes cargas afectivas que transportan los estilos de dibujo, lo tenemos en La Torre Blanca de Pablo Auladell. Aquí el ganador del Premio al Autor Revelación del pasado Saló del Cómic de Barcelona hace uso de diferentes registros gráficos según las distintas tonalidades afectivas que pretende acompañen a los hechos que se están contando.

    Auladell/Ponent

    Espacios cargados de viveza y matiz los unos, de frialdad y monocromía los otros…

    Auladell/Ponent

    …sumidos en el más puro terror algunos.

    Auladell/Ponent

    Resulta fácil observar, en estos ejemplos de Auladell, esa condición expresiva propia del dibujo. Las texturas, los colores, las líneas, hacen función equivalente a la banda sonora de una película. Que refuerza y orienta la carga emocional de aquello que la historia nos está contando… cuando todo es como debiera.

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    “Me llamo Toni Boix y soy un DC-Adicto”. A pesar de que mi niñez esté inundada de Sal Buscema y mi adolescencia de Spirit, Metropol, Cimoc y Zona 84. Porque Zinco me devuelve al redil. Zinco y Wolfman y Perez y Moore y Totleben y Gibbons y Miller y Bolland y García López. Después, el ansía. La escasez. La falta absoluta de alegrías. Mueren las revistas de cómics y Zinco vegeta. Mi ilusión se marcha a hacer las Américas. Suerte del Previews… y de los cómics que se malvenden. Le pido a Raúl López que me deje escribir una reseña en Zona Negativa promocionando Fallen Angel… y el resto es esta historia.
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    César
    César
    2 noviembre, 2006 18:29

    Me parece que obviamente todos tienen razón desde sus particulares enfoques, sin embargo, el cómic es un medio con leguaje propio, el cual si es bien utilizado potencia cada estilo de dibujo o por el contrario crea una amalgama que es incapaz de empatizar/enganchar con el lector.

    Lo que dice Seth queda absolutamente invalidado con cualquier vistazo que se le de a cualquier trabajdo de Will Eisner, lo importante para comunicar no es tanto el estilo que se adopte tanto como una utilización eficas de los elementos de narración gráfica propios del cómic.

    Mario_The One
    Mario_The One
    2 noviembre, 2006 18:30

    Toni, no te desanimes, primero dejanos digerir lo puesto en estas lineas….

    Leonardo
    2 noviembre, 2006 19:11

    Qué te puedo decir yo que he estudiado Artes Visuales y una de las cosas que me llevó a esa carrera son los comics. Me parece excelente que hagan este tipo de post.

    Saludos desde México. Su página es genial por cierto.

    guacamol
    guacamol
    2 noviembre, 2006 19:49

    Reflexiones como esta hacen que merezca la pena visitar todos los días esta página…y urgar por tebelogs.

    NECESITAMOS reflexiones sobre el lenguaje de los comics, sobre las distintas maneras de expresar. Creo que hay una buena legión de gente interesada en el tema, y muy pocos sitios en los que encontrar algo.

    Me encanta.

    kiko
    2 noviembre, 2006 23:18

    Hola Toni, Supongo que respecto a lo de expresividad, al dibujo a la línea en sí, pero no olvidemos que la expresividad está en la composición, volumen espacios vacío y el color también. Un dibujo expresivo no tiene que ser aquel que nos transmita movimiento o fuerza en su trazo. Podemos encontrarnos con dibujos de corte preciosista, detallista o práctiamente icónicos que transmitan mucho más. Por ejemplo Bill Watterson, utiliza más los espacios vacíos para expresar con su dibujo que el propio trazo.Que es peculiar y expresivo, sí pero realmente atrae al lector con la disposición de esos trazos, de los colores para dirigirnos la mirada. Vamos a lo que me refiero es que el dibujo de Seth puede parecer a simple vista menos expresivo que el de KUBERT, PERO REALMETE SETH CONSIGUE DIRIGIR LA MIRADA Y TRANSMITIR MÁS COSAS EN ESA PÁGINA QUE KUBERT SIENDO EL DIUJO DE ESTE MÁS “EXPRESIVO”.

    Eso sí, si nos fijamos realmente lo que utilizan los tres autores que pones de ejemplo, es la composición de página, las diagonales en definitiva la guia visual de lectura para el lector. Uno lo hace con el color y la narración, el otro con la disposición de las figuras y el trercero, cambiando el registro y el acabado en las distintas viñetas.

    Venga un abrazo y a seguri creando estos debates que son cojonudos!!!
    Un abrazo kiko

    el tio berni
    2 noviembre, 2006 23:30

    Toni, por dios, este es uno de los apartados más interesantes de todo ZN, no te detengas ahora!!!

    Es evidente que este tipo de post dan más trabajo que otros, pero es necesario que alguien ordene y nos mastique un poco esos conceptos que más o menos todos tenemos en la cabeza pero que a veces parece que pasamos por alto o que no sabemos cómo expresar. Porque cuando alguien nos pregunte por qué el cómic es un arte, ¿qué le vamos a responder? ¿Porque me gusta? ¿Porque los dibujines son bonicos?

    Además, en el post de hoy creo que haces unas reflexiones muy acertadas sobre narrativa/expresividad. ¿Ves? A mí ya me has dejado pensando…

    Jordi Ballera
    2 noviembre, 2006 23:37

    No estoy de acuerdo en la idea de que “cualquier dibujo comunica”. Existen dibujos que no comunican nada. Es el caso de Baudoin, uno de mis autores favoritos. En sus obras hay cientos de viñetas que no comunican nada. Tienen una mera función estética. Son bellas pero no comunican nada. Sería algo así como el movimiento de “l’art pour l’art”. Belleza sin función comunicativa.
    Por otro lado Toni, no te desanimes con los comments. Todos sabemos que conseguir 100 comments es muy facil. En cambio escribir posts interesantes es más complicado. Yo prefiero leer tus posts interesantes. Deja a los coleccionistas de comments que vayan a su bola escribiendo paridas… y tú sigue encandilándonos con estos textos.

    josep rom
    josep rom
    3 noviembre, 2006 0:55

    Querido Toni, tú sigue en la brecha.

    Es un post muy bueno. Plantea problemas muy, muy basicos de la historieta.

    De los dos desarrollos estéticos del cómic clásico, la caricatura y el naturalismo, el más importante es la caricatura –como hemos visto en tus posts anteriores–. La caricatura convierte el trazo en información “económica”, clara, concisa y eficaz, por eso fue tan importante en la evolución de los cómics, pero los tiempos han cambiado.

    Cuando discutimos sobre dibujo y narración el comentario de Seth parece de una claridad aplastante. En la ilustración narrativa tradicional la puesta en escena determina el “tempo” del relato En los cómics los recursos “linguísticos” del medio suplen ese problema, la puesta en escena es determinante por su caracter codificador de la acción, por la información que transmiten los objetos, los personajes o el paisaje. Pese a la validez de este criterio, las cosas son un poco más difíciles. El medio de los cómics se ha convertido en un “estandar”. El propio medio denota unas claves “mínimas” narrativas que hacen de cualquier sucesión de dibujos una forma de cómic i, por tanto, la expresividad del dibujo se ha convertido en un nuevo “canal” para comunicar sentimientos, emociones e incluso conceptos.
    Ya se que estoy escribiendo precipitadamente y esto puede parecer complicado, pero lo que quiero decir es que actualmente la riqueza patrimonial del medio es tan grande que resulta difícil limitarse a explorar las posibilidades de la narración y no sumergirse en las infinitas capacidades expresivas del trazo. El trazo no es “narración”, pero define una imagen y esa imagen (mejor o peor) siempre es un espacio simbólico y descriptivo. A veces predomina el simbolismo (y de tanto “arte” no vemos la historia por ningún lado) y otras veces nos ahoga el detalle ornamental (y se ralentiza la narración). Todos son caminos, podemos discutir su validez, pero su valor depende de las intenciones del historietista.

    Emiliano
    Emiliano
    3 noviembre, 2006 1:11

    La verdá que esta nota se la aguanta un montón, al igual que zonanegativa. Un abrazo y ojalá que se haga gigante este emprendimiento.
    Saludos Desde Argentina.

    kiko
    3 noviembre, 2006 1:33

    Claro Jordi, pero NO COMUNICAR NADA, es tambien comunicar algo… sería como no pensar en nada…al final siempre acabas pensando…aunque sea en nada.
    Venga un saludo que me vuelvo filosófico y acabo hablando de la levedad del ser…

    César
    César
    3 noviembre, 2006 9:23

    Creo que enfoco por el lado equivocado Jordi B. al decir que no cualquier dibujo comunica, vamos que es cierto, pero en el caso que mecionas de Baudoin lo que falla no es el dibujo sino su falta de dominio sobre las técnicas narrativas, pues en definitiva son estás las que dotan de dinamismo al cómic y si el dibujo está bien(independiente del estilo) tanto mejor.

    Personalemente creo que es un error relacionar el estilo de dibujo con la eficacia narrativa, son complementarias es cierto, pero lo esencial es 1º que este bien contada, luego bien narrada y rematada con un buen dibujo, esas son las obras maestras.

    Jordi Ballera
    3 noviembre, 2006 9:52

    Cesar, no creo que Baudoin tenga “falta de dominio de las técnicas narrativas”. Tiene maravillosos relatos de una complejidad destacable. Pero otras obras son, deliberadamente, menos lineales, y se articulan más por impactos que como narración. Serían como sucesión de imágenes sin aparente linealidad. Me recuerda mucho al escritor Peter Handke, otro genio.

    pepo
    pepo
    3 noviembre, 2006 13:59

    “Que no se deben hacer postulados como los de Seth abogando por una narrativa más fluida sólo a partir de una simplificación de trazos.”

    Es que no creo que Seth esté diciendo eso exactamente, Toni. Fíjate en lo que le cuesta expresar, emplea todo un párrafo, lo que quiere decir. Copio el párrafo clave:

    “No quieres caer demasiado en lo icónico porque entonces la historia se vuelve visualmente aburrida, y no quieres ser demasiado detallado (o real) porque entonces los dibujos se convierten en cosas muertas puestas ahí en la página y entorpeciendo la lectura del lenguaje del cómic. Por supuesto, este intento de equilibrio puede romperse en cualquier momento por su propio efecto: de vez en cuando puedes querer una historia que sea enteramente icónica/genérica y de vez en cuando puedes querer ralentizar una historia con un dibujo “real”.”

    El dibujo puede ser muy específico sin tener que ser excesivamente detallado, y eso permite registros más naturalistas que otros en el dibujo de historieta (ese gran patrimonio del cómic a estas alturas, como alguien ya ha dicho arriba, que constituyen los distintos registros), no todo va a ser rollo icónico como de esquema técnico a lo Ware.

    El problema que plantea Seth es uno de los principales problemas que todo dibujante de cómics tiene que resolver: encontrar el grafismo adecuado para narrar su historia. Que ni “se pase” ni “se quede corto”, sobre todo en cuanto a detalle y al número de líneas que utilizas, pero también en cuanto al estilo en sí (más naturalista, menos; más caricaturesco, menos). Esto es difícil, porque no sólo es una cuestión de técnica de dibujo, también de pensar qué grafismo requiere la historia que tienes entre manos, la historia concreta, y la lucha por lograr plasmar sobre el papel ese grafismo que tienes en la cabeza nunca es fácil (nunca queda exactamente cómo lo habías pensado). Piensa que el grafismo de Seth en VENTILADORES CLYDE no es igual que el que ha empleado ahora en WIMBLEDON GREEN, y eso no puede ser casualidad. A diferentes historietas, grafismos distintos.

    Lo que yo creo que quire decir Seth es que la narración de cómic requiere un grafismo con unos márgenes, amplios, por supuesto, pero que no deben ser rebasados si no quieres cargarte, “matar”, el lenguaje de historieta.

    Por decirlo en plata, con ejemplos, estos son míos, no de Seth: Brian Bolland es un muy buen ilustrador y un excelente portadista, te juro que sus portadas me suelen gustar, pero como dibujante de cómics, pues no (en general). La Broma Asesina es uno de los peores tebeos de Moore, y estoy convencido de que no todo fue culpa del guión. Sus dibujos… todas esas sombras y tramas manuales que tan bien le quedan en las portadas, esa “exactitud” del trazo tan excesiva, se vuelven innecesarias y torpes en cuanto se pone a dibujar cómic con ese estilo tan recargado, una viñeta tras otra. Camelot 3000 me parece un desastre narrativamente hablando, y La Broma Asesina se me antoja envaradísima, y además con un grafismo nada adecuado a la historia que se cuenta.
    (dicho esto: Bolland tiene historietas muy caricaturescas de dibujo simple, Mr. Mamoulian, que le funcionaba de puta madre). Por el contrario, el dibujo de Dave Gibbons funciona mucho mejor en el cómic, y mira que también da impresión de ser muy detallado… pero en realidad Gibbons emplea muchas menos líneas que Bolland. Porque es un dibujo específico. Grafismo, that is the question.

    Otro ejemplo. El dibujo de Emmanuel Guibert en La guerra de Alan tiene una base muy naturalista y, desde luego, es tremendametne específico para dibujarlo todo: casas, trenes, tanques, uniformes, objetos de los soldados. Sin embargo, es un dibujo sencillo, y que funciona maravillosamente para dar un tono a la memoria que se está evocando en ese tebeo. El grafismo es adecuado, es exacto. Es un dibujo sobresaliente para ese cómic.

    Por cierto: el dibujo de Kubert, aun dentro de unos cánones de “realismo” o naturalismo, creo que entraría dentro de los registros adecuados al cómic. A mí no me gusta mucho Kubert, pero es por razones narrativas (nunca me ha gustado mucho su storytelling). Su dibujo me parece adecuado a sus historias, y ni es demasiado recargado ni envarado; al contrario, es muy suelto, siempre lo ha sido.

    (Baudoin, ya que ha salido en la charla, no me gusta nada. Me cae muy bien su rollo hippie, me enternece incluso, pero sus tebeos, lo siento muchísimo, perdonad sus fans, me parecen un rollo esteticista-vacuo-rancio, como de tres décadas atrás)

    rode
    18 abril, 2007 4:32

    la verdad es que estudio Artes Plásticas [mas o mneos nueva] y buscando sobre grafismos he llegado aqui.
    Tony, que creo es el gestor del sitio, me podrías enviar información. O tdo el que tenga es enrealidad muy poco lo que he encontrado.
    O al que me pueda facilitar.
    Un honor pasar por aquí. taniarode@gmail.com

    edgardo
    31 agosto, 2007 1:06

    muy buena in vestigacion

    mariel
    mariel
    3 abril, 2008 7:00

    hola Tony bueno me parece excelenet ela ivnestigacion sobre el dibujo, y estoy de acuerdo en ke cada tipo de eprsona al dibujar expresa emocioens diferentes, y bueno tambien keria pedirles un enorme favor,la verdad estoy ap unto d eegrresr de lprepa y quiero estudiar artes plasticas pero n ose si voy pro buen camino o si igual me ayduaria para dedidcarme al o ke keiro hacer,ke son lso comics, me gustaria cualqueira fuese mea yudar a aorientarme por favor se lso garadecere mucho.Gracias y cuidense.. si peuden envienme info al correo masaku_8@hotmail.com

    Andrea Maduri
    Andrea Maduri
    17 abril, 2011 18:38

    Hola soy maestra jardinera y quiero dar el tema las historietas necesito mas información o que puedo tranbajar  tengo que enfocarme en un recorte y trabajar desde ahí. gracias espero la respuesta