Las 52 reseñas: Semana 2

Toni Boix

Green Arrow 1, de J.T. KRUL, DAN JURGENS y GEORGE PÉREZ; Portada de BRETT BOOTH y ROB HUNTER; DC Comics; 32 págs., 2,99 $.

Como portadas y declaraciones hacían prever, el Green Arrow que DC Comics ha aprovechado para presentar en el posibilista escenario del Nuevo Universo DC guarda un importante parecido con la versión del personaje aparecida en la teleserie Smallville. Motivos hay para que muchos se rasguen las vestiduras, puesto que el Arquero Esmeralda -precisamente- albergaba en su continuidad algunos momentos referentes para la evolución del mainstream norteamericano, tanto por lo que hicieron con él Dennis O’Neil y Neal Adams en los 70 como por lo que luego construiría Mike Grell a partir de 1987. Pero cierto es también que, tras las interesantes contribuciones gestadas por Kevin Smith, Brad Meltzer, Judd Winick y Andy Diggle, parecía que Ollie y su familia eran incapaces de aguantar el tipo ante las vueltas de tuerca a las que le sometieron tanto Andrew Kreisberg como J.T. Krul. Y es que los muchos vaivenes existenciales por los que ha pasado Oliver Queen a lo largo de los años le otorgan una inigualable complejidad, pero también hacían que fuese difícil llevarle en nuevas direcciones. Así que, puestos a empezar de cero y dado que la comercialidad es una de las pretensiones de este relanzamiento, no debe extrañar que nos encontremos ante un Flecha Verde jovenzuelo, barbilampiño y extremadamente apuesto. Libre de los excesivos traumas con los que le habían cargado los autores que se habían encargado sucesivamente de relatar sus aventuras, descubrimos a un Oliver Queen que comanda un departamento de alta tecnología ubicado en el corazón de Industrías Queen, en Seattle, ayudado por una pareja de jovenes geeks que están al corriente de su doble identidad y le tutelan informáticamente a lo largo y ancho del mundo. París será escenario de esta primera aventura, en la que nuestro protagonista deberá enfrentarse a un trío de metahumanos que se ganan la vida mediante la notoriedad que les otorga el visionado de sus fechorías en las redes sociales. Por lo dicho, queda claro que en este Nuevo Universo DC existe cierta preocupación por adecuar la idiosincrasia de sus personajes secundarios al tipo de público al que desean acceder, buscando de suscitar el interés del adolescente 2.0 al reconecerse éste en el mundo en que se mueven estas criaturas de papel.

Se cuece todo ello en el marco de un relato conducido de forma digna por guionista y dibujantes. Evidente resulta que el desmañado estilo en el que se ha aposentado Dan Jurgens estos últimos años gana en atractivo y entidad tras pasar por las tintas de George Pérez, consiguiendo entre los dos una narrativa visual funcional y clara para las escenas de acción y una ambientación en su justa medida si de lo que se trata es de emparentarse con cierto imaginario televisivo. El guión de Krul funciona también aceptablemente, mucho mejor que en su contribución anterior al personaje, puesto que el rico elenco de co-protagonistas que pueblan este primer número, presentados con la organicidad necesaria, contribuyen a minimizar la excesiva utilización que este escritor tiende a hacer de la voz en off. Estamos, pues, ante una aproximación sin pretensiones artísticas especiales que, por eso mismo, evita caer en la pedantería y se esfuerza simplemente por ofrecer entretenimiento y aventura, sin aspavientos y con profesionalidad, sin brillantez pero con la maña y la corrección suficientes. A partir de aquí y con el tiempo, la serie podrá ganar en trascendencia si sus autores desarrollan adecuadamente su reparto o pasará sin pena ni gloria si únicamente se centran en las peripecias de un arquero cargado de artilugios que se pasa la vida enfrentándose a crecientes ejércitos de metahumanos.

Alberto Morán

Justice League International 1, de DAN JURGENS, AARON LOPRESTI y MATT RYAN; Portada de AARON LOPRESTI; DC Comics; 32 págs., 2,99 $.

Esta nueva andadura de la Liga de la Justicia Internacional es, quizá, una de las más conservadoras de esta nueva DC que se está desarrollando. En otras colecciones la innovación, desde la meramente efectista a la profunda, esa que revuelve las raíces del personaje y modifica su enfoque y motivaciones, está presente desde la primera página a la última; quizá sea debido a autores que o bien tienen ideas revolucionarias que explotar o bien quieren hacer cambios radicales que sorprendan a los lectores y los enganchen a las colecciones a su cargo. Sin embargo, Dan Jurgens ha optado por moverse en un terreno familiar, cómodo, en el que el lector veterano tenga la impresión de que la fórmula primordial ha quedado intacta, cambiándose solo ciertos elementos, circunstanciales la mayoría. ¿Pocas expectativas por parte de editorial y guionista? Es probable, pero la idea de una Liga de la Justicia alternativa se han explotado de muy diferentes formas y ninguna encarnación ha sido tan longeva (¿alguien se acuerda de la Liga de la Justicia de Élite?) y ha conseguido crear un pequeño culto a su alrededor como la Internacional. «Mejor dejarlo como está», es un pensamiento que probablemente haya pasado por las cabezas de Bob Harras, Dan DiDio, Dan Jurgens, o todos.

Esta no es, por lo tanto, una serie que haya que leer con grandes expectativas en lo que se refiere a los cambios: es la vieja Liga de la Justicia Internacional, ni más ni menos. Donde antes había chascarrillos cada dos páginas ahora los hay cada cuatro, vuelven los roces culturales (la incorporación de Augusto General de Hierro es prometedora, aunque en este primer número da la impresión de estar desaprovechada), Guy Gardner sigue teniendo arrebatos de cólera y Batman actúa de supervisor maduro, hay pinceladas de tensión sexual con un toque de comedia y aventuras contra amenazas que parecen más de lo que este grupo recién cocinado puede tragar. Si buscabas una fiesta revolucionaria, Action Comics está al fondo del pasillo, donde se escuchan los aullidos de los puristas: aquí tenemos inocuo ponche de huevo sin alcohol, gorros de papel traídos directamente de finales de los 80 y álbumes de fotos para recordar y ver cómo hemos cambiado.

Hay elementos a destacar, no obstante. El actual contexto social, en el que el mayor acceso a la información ha cambiado la forma de ver la política, la sociedad y el activismo aparece reflejado en este primer número, aunque de forma tosca. Booster Gold recupera parte de su faceta más cómica y la caracterización de 52 -la serie original, quiero decir- como hombre-anuncio, aunque sin convertirse en un payaso, demostrando potencial para el liderazgo y lo que es más importante, manteniendo intacta su profunda humanidad, que Jurgens refleja a través de un par de brillantes intervenciones. El dibujo es sólido, sin estridencias, claro y pulcro, sin defectos de magnitud pero tímido, adoleciendo de cierta falta de personalidad. No pasará a la historia, pero podría haber sido peor: un poco más abajo tenéis la preview del Halcón y Paloma de Liefeld. Ey, el que no se consuela, es porque no quiere.

Liga de la Justicia Internacional gustará a noveles y veteranos, pero no entusiasma. Es un producto continuista, fácil de digerir y asimilar. ¿Es, acaso, malo? No, ni por asomo. Hay elementos que, bien explotados, pueden ser muy interesantes en el futuro. Jurgens ha plantado algunas semillas con potencial, pero tienen que crecer correctamente. De momento tenemos un primer número honesto, accesible y divertido, correctamente dibujado y narrado. Merece la pena esperar a ver cómo se desarrollan los acontecimientos.

Pedro Monje

OMAC 1, de KEITH GIFFEN, DAN DIDIO & SCOTT KOBLISH; Portada de KEITH GIFFEN; DC Comics; 32 páginas, $2,99.

En 1970, El Rey Jack Kirby dejó Marvel camino a las oficinas de DC, con una carta blanca absoluta que le permitió hacer de editor, guionista y dibujante de todo lo que se le pasará por la mente, que no era poco. Su producción mas exitosa fue la relacionada con los títulos del Cuarto Mundo (los Nuevos Dioses, Mr. Miracle, Forever People), a además de otros títulos no tan exitosos comercialmente como Kobra, Demon, Kamandi, etc… Muchas de estas colecciones cerraron con relativa rapidez, lo cual justifica las opiniones actuales de mucha gente sobre Kirby, asegurando que pese a su imaginación sin límites era incapaz de sacarle todo el jugo a sus colecciones. En 1975, Kirby se volvería a Marvel, no sin antes dejar un último legado para DC Comics: OMAC.

OMAC (siglas de One Man Army Corp) fue una serie de ocho números centradas en las aventuras en un futuro apocalíptico (como mucha de su producción, véase Kamandi) protagonizadas por Buddy Blank, un chaval con síndrome de Peter Parker que era elegido sin saberlo por Hermano Ojo para ser el salvador de este mundo. Completamente inconsciente del tema, Buddy Blank no aparecería de nuevo hasta el ultimo numero, cuando recuperaría su aspecto humano y no recordaba nada de lo que le había pasado: El concepto quedó enterrado pero los grandes guionistas supieron ver el potencial del producto y años mas tarde Jim Starlin, John Byrne y, la ultima vez, Greg Rucka han actualizado el concepto. Hasta ahora.

Y es que Dan Didio y Keith Giffen vuelven a unir sus caminos una vez más. A pesar de sus dimes y diretes entre bambalinas al más puro estilo Sálvame echándose los trastos a la cabeza por los retrasos en su día de Ambush Bug (y una breve y olvidable colaboración en Outsiders), toca unir fuerzas una vez más. En este caso relanzando OMAC, una de las pocas colecciones del Nuevo Universo DC que no tienen relación con los visto hasta ahora. De hecho, los créditos de argumento están compartidos por ambos creadores, así que uno no sabe donde acaba la aportación de uno o de otro al guión.

El producto que tenemos en nuestras manos es mas similar a la primera colección de Kirby que a la ultima encarnación de Rucka (no contamos el conato de Morrison durante Final Crisis). Se nota que ambos autores se han esforzado por ofrecer un producto digno, y aunque no lo hayan conseguido por completo, si que entran ganas de seguir echándole un vistazo a sucesivas entregas. En cambio, al contrario del planteamiento de Kirby (donde el huésped desconocía que había sido controlado por OMAC), en este caso deciden que el protagonista Kevin Kho descubra al final del numero que está siendo controlado, y lo seguirá estando, en contra de su voluntad.

La aportación al dibujo de Keith Giffen es muy de agradecer. Personalmente se le echaba de menos por estos lares. Tras sus prolíficos años en los que resucitaría el solo la franquicia cósmica de Marvel (y por lo que le estaremos eternamente agradecido aunque luego fueran Abnett y Lanning los que la llevarían al máximo esplendor) y su papel de “aboceteador” de 52 y Countdown para DC, se le echaba de menos una participación mas presente a los lápices. Voluntaria o involuntariamente (me inclino mas por lo segundo), las similitudes con Jack Kirby en el resultado son mas que evidentes, a la vez que manteniendo su propio estilo. Espectacular, con grandes viñetas, mucha acción y decorados cargados de maquinarias imposibles y formas de vidas artificiales imaginativas.

El resultado de OMAC, desde un punto de vista personal, es atractivo, aunque no se sitúa entre el Top Tres de la semana. Stormwatch, Animal Man o Action Comics tienen ese honor, pero hasta cierto punto esto era esperable. OMAC se queda justo seguido. Así que si queréis una lectura fresca que os pille por sorpresa, OMAC os gustará.

Hawk and Dove 1, de STERLING GATES & ROB LIEFELD; Portada de ROB LIEFELD; DC Comics; 32 páginas, $2,99.

Es evidente que es imposible reseñar este comic sin hablar del dibujo de Rob!, pero en este caso vamos a hablar del guión de Sterling Gates para el primer numero de Hawk & Dove. Tiene el abecedario de lo que todo comic de presentación debería tener: una pelea inicial, dos pinceladas de los rasgos del carácter de los protagonistas, una conversación intima y familiar, el relato del origen de los poderes del personaje principal, presentación de los personajes secundarios, una pequeña dosis patriótica, una relación sentimental imposible (nunca mejor dicho), un misterio, enlaces gubernamentales, un par de comentarios jocosos, una referencia suave a la continuidad reciente y un cliffhanger muy poderoso. Y todo eso, en tan solo 24 páginas.

Es indudable que el guión cumple su propósito y te engancha para que sigas leyendo futuras entregas de Halcón y Paloma. Y en ese sentido es uno de los mejores números uno de DC que se han publicado esta semana. Los personajes arrancan en la situación que había acabado el antiguo Universo DC tras Brightest Day, y posiblemente sea de las colecciones en las que el cambio sea mas suave, por no decir que casi indescriptible. Gates, por tanto, consigue un comic apto para nuevos lectores a la vez que para seguidores de las aventuras de los protagonistas del “antiguo” UDC.

Además, Sterling Gates es muy valiente jugando con la memoria de Don Hall, e insinuando una conexión entre los dos portadores del manto de Paloma. Los comics de DC siempre se han caracterizado por sus relevos generacionales y traspaso de legados de un personaje a otro, así que tendrá bien pensada la jugada antes de meter la pata.

Ahora, como decíamos, es prácticamente imposible no tener en cuenta en la valoración del tebeo el dibujo de Rob!. Sin entrar en chistes fáciles diciendo que dibuja como el primer día (o peor), hay que reconocer que uno de los reclamos comerciales de esta serie es su dibujo. Pero por ejemplo, la página de la piscina en el capitolio no tiene ningún sentido artístico. Esos contrapicados son marca de la casa. De todas formas, y a riesgo de equivocarme, Liefeld está bastante contenido en este aspecto y muchas de sus páginas son poco criticables.

Como sabéis, Halcón y Paloma es la primera serie regular que dibujó como dibujante, acompañando a los guiones a Karl y Barbara Kesel hace mas de veinte años, en los albores de los noventa, en su rápido paso por DC antes de la llegada al estrellato en la franquicia mutante. DC ha querido apelar a esa memoria y jugarse una baza de sus cincuenta y dos balas a Halcón y Paloma.

En resumen: un comic cumplidor, que os dejará con ganas de más y que os gustará bastante, sobre todo si os pilla con la guardia baja. Y si no, siempre os quedará la cosa de poder criticar a Liefeld en los comentarios y ganaros unas cuantas manitas verdes. Yo, de momento, espero al número dos.

Static Shock 1, de SCOTT MCDANIEL & JOHN ROZUM; Portada de SCOTT MCDANIEL; DC Comics; 32 páginas, $2,99.

Static Shock es el intento por parte de DC de establecer una “línea juvenil” dentro de su línea de comics, junto con las series de la Legión, la anterior Halcón y Paloma y la esperadísima (lease con ironía) Teen Titans. Esto puede parecer un poco contradictorio ya que ellos mismos admiten que su target comercial es para chavales de 17 o 18 años. Pero es que además, esta serie tiene otra peculiaridad. Y es que en estos tiempos de corrección política, desde DC han querido contentar a los sectores del fandom que les exigían más protagonistas principales de color y más féminas. Así que, de golpe y plumazo, tres series protagonizadas por afroamericanos: Batwing, Mr. Terrific y Static. Y por si esto fuera poco, esta serie tiene otra característica más para apelar al corazoncito de los aficionados (y sus carteras): el recuerdo del fallecido Dwayne McDuffie, creador hace años de Static en la línea Milestone (también creada por él, y luego comprada por DC Comics). Pero a la hora de la verdad, a la hora de leer el comic, todos estos ingredientes no tienen ninguna importancia, porque si el comic gusta o no gusta es por sus meritos (o ausencia de ellos).

La presentación de Static cumple su proposito y es imposible no acabar el comic sabiendo quien es y como se comporta el protagonista de la serie. En cambio, la serie peca, como otros comics de esta semana (Batgirl, te estoy mirando a ti) de un excesivo uso de los cuadros de dialogo, asi que también acabas el número un poco cargado. Hay páginas en las que los bocadillos brillan por su ausencia y si destacan los extensos cuadros de información, que entorpecen unas páginas diseñadas por McDaniel para ser rápidas y vertiginosas, generandose un resultado contraproducente. En cambio, si que se agradece el empeño que han puesto los dos autores por crear un elenco de villanos para el personaje. La presentación de momento ha sido fugaz, y poco hemos podido saber de ellos, pero está claro que tienen planes para ellos. Concretamente, el guionista John Ruzom ha colgado en su blog los diseños de Scott McDaniel para los villanos (que no son pocos) introducidos en este capítulo.

El dibujante es Scott McDaniel. Personalmente, debo confesar que admiro a este dibujante. Su etapa en Nightwing (hace ya muuchos años) de la mano de Chuck Dixon es uno de mis etapas favoritas de todos los tiempos, y su trabajo en la colección del murciélago es muy interesante. Lo mismo ocurre con el resultado en Static Shock. La historia está puesta al servicio del dibujo en ese sentido, y el lucimiento de McDaniel es una vez más espectacular. Pero de la misma forma entiendo que este dibujante no es del agrado de muchos aficionados, algunos de los cuales le asemejan a un Bachalo de segunda y no le dan una oportunidad.

Marcos Martín

Men of War 1, de IVAN BRANDON y TOM DERENICK; Portada de VIKTOR KALVACHEV; DC Comics; 32 págs; 2.99 $.

Los cómics bélicos hace tiempo que no se prodigan mucho por el UDC ni tampoco por el marvelita. A base de series limitadas, el Sargento Rock hacía sus apariciones eventuales en el plan editorial deceíta, la última en 2008 (Sgt. Rock: The Lost Batallion) de manos de Billy Tucci. Mientras que en Marvel lo más cercano a una serie bélica es Secret Warriors, con Nick Furia como protagonista y la presencia casual de los Comandos Aulladores. Con este panorama, al escritor Ivan Brandon y a DC se les planteaba una duda ¿Cómo atraer lectores a una serie como Men of War? La respuesta fue incorporar elementos suerheroicos.

Eso es lo que vemos en este primer número de Men of War. Una unidad de soldados norteamericanos con el nieto de Frank Rock entre su filas que va en misión secreta de rescate de cierto político perdido en algún país de Oriente Medio. El elemento superheroico viene dado por una misteriosa figura voladora y superpoderosa que ayuda (no sabemos si consciente de su presencia o no) a esta unidad pero que presenta un comportamiento extraño. Personalmente, el planteamiento inicial no me parece nada original ¿Cuántas misiones de rescate hemos visto en este y cualquier otro medio? Por tanto, no llama la atención desde el comienzo. Sólo lo hace con la presencia de ese ser desconocido con superpoderes pero sin demasiada convinción. Además, Brandon, en la entrevista que aquí reflejamos, quiso dejar claro que la Compañía Easy no formaría parte del ejército ni asociada a ninguna firma contratante. Sí queríamos ver algo de eso, en esta primera entrega no lo vemos ¿Cuánto tendremos que esperar? Apostar por más de un par de números por un género que no está en sus mejores horas se me antoja una maniobra un tanto arriesgada.

Curiosamente, caso aparte merece la historia corta que se presenta al final de Men of War, con título Navy Seals Human Shields, del escritor Jonathan Vankin y el artista Phil Winslade. Aquí se nos cuenta la primera parte (de tres) de una historia que empieza in medias res, protagonizada por una pareja de soldados americanos que se enfrentan a un francotirador. De nuevo la acción se sitúa en Oriente Medio (referencia actual para llamar la atención y mostrar cercanía) y todo transcurre con tanta acción y con unos personajes tan creíbles, que esta historia hizo que me olvidara de la que titula el cómic. Lo que hay que ver. De hecho, el arte de Winslade refleja, en mi opinión, mucho mejor la estética militar a cómo lo hace Derenick en Men of War. Puede que no sea una historia muy original, pero el atractivo plateamiento en tan pocas páginas hicieron que me olvidara del mal sabor de boca que me había dejado la primera lectura. Tal vez sean estos minirelatos los que salven a Men of War mientras Brandon avanza en su desarrollo.