Guión: Satoshi Kon
Dibujo: Satoshi Kon
Edición España: Planeta DeAgostini
Contiene: Kaikisen JAP
Formato: Libro tapa dura de 224 páginas
Precio: 14,95€
Valoración:

La carrera del mangaka y director de anime Satoshi Kon, por desgracia, no resultó ser especialmente prolífica, pero si muy significativa e influyente, mostrándonos un universo onírico y mágico oculto en los recovecos de nuestra propia realidad. Las temáticas, conceptos e ideas manejados y desarrollados por este cuentacuentos moderno han tomado la animación como principal medio de expresión ofreciéndonos trabajos tan destacados y personales como Perfect Blue, Millennium Actress, Tokyo Godfathers, Paprika o la serie de televisión Paranoia Agent. Por otro lado, en el currículum de Satoshi Kon el manga sería algo residual, la base de sus sueños pero no la manera de expresarlos, porque siguiendo los pasos de sus maestros y compañeros Katsuhiro Otomo y Mamoru Oshii, con los que trabajaría en ¡Qué Horror de Apartamento! y la inconclusa Seraphim: 266,613,336 Wings respectivamente, pronto abrazaría la mayor libertad y comodidad que este medio le ofrecía para contar sus historias y relatos. El debut de Satoshi Kon como mangaka se produciría en 1984 con el relato corto titulado Toriko (Cautivos), incluido en el recopilatorio Historias Cortas de Satoshi Kon de Planeta DeAgostini, y no sería hasta 1990, después de una larga temporada de asistente del mencionado Katsuhiro Otomo, cuando se lanzaría a experimentar con su primera y gran obra en solitario: Regreso al Mar.

Este Regreso al Mar, Kaikisen en el original, sería publicado en la revista Young Magazine de la editorial japonesa Kôdansha, una historia que seguía las vivencias de Yôsuke, hijo de un sacerdote de un santuario sintoísta del pequeño pueblo costero de Amite y encargado de cuidar de la reliquia del templo: una joya conocida como el Huevo de la Sirena. La leyenda afirma que cada nueva generación de la familia de Yôsuke debe cuidar de esta reliquia, la cual será devuelta al mar después de sesenta años, cumpliendo así con el pacto realizado con el misterioso ser marino encargado de favorecer la prosperidad y la protección del lugar. Pero Yôsuke no lo tiene tan claro, no cree en supersticiones como su abuelo, ni tampoco lo hace su padre que como alcalde del pueblo ha llegado a un acuerdo con la perversa constructora Ozaki para planificar todo un centro vacacional destinado a llevar la modernización y progreso a la zona rural de Amite. El conflicto entre la tradición y progreso son la base del argumento de Regreso al Mar planteado por Satoshi Kon, una entrañable y preciosa fábula con mensaje medioambiental y crítica social la cual, como comentaba David J. ‘Batto’ en Ramen para Dos, se inspira en cierta manera en “la burbuja económica que atravesó Japón en la época de 1980, en la que el dinero nubló los principios de gran parte de la población y las empresas”. Esto, lamentablemente, también establece hoy un paralelismo muy reseñable y vigente respecto a la historia económica reciente de nuestro país.

En el año 1994, Planeta DeAgostini editaría Regreso al Mar en un único tomo recopilatorio y, recientemente, coincidiendo con la publicación de una nueva edición de esta obra en Japón a raíz del fallecimiento del célebre director y mangaka en 2010, la editorial española ha recuperado esta historia de Satoshi Kon, su primer título de la colección Babel, en un nuevo tomo, en tapa dura, con las portadas originales de los once capítulos de las que se compone el relato y un sincero y modesto epilogo firmado por el mismo autor y publicado en 1999 por Bijutsu Shuppan. “El talento innato no es algo que crezca o se multiplique”, comenta Satoshi Kon en este epílogo dónde narra su primeriza experiencia con Regreso al Mar, “pero la técnica sí va fermentando gracias a la repetición y el entrenamiento”. Esto no deja de ser un deje de la personalidad de este autor, siempre inconformista y tremendamente autocrítico, describiéndose a sí mismo como “una persona con una alarmante falta de perseverancia, incapaz de permanecer quieto en el mismo sitio durante mucho tiempo”. Es importante tener esto en cuenta para comprender la relación de Satoshi Kon con el manga, una faceta suya que él mismo reconoce quedó enterrada por su inclinación al cine de animación, recordando el proceso de serialización de Regreso al Mar como “varios meses de zozobra brutal” en los que según su perspectiva su juventud e inexperiencia jugaron en contra del resultado final. Pero, sin lugar a dudas, cualquier autor estaría dispuesto a firmar una obra fallida como la que nos intenta injustamente describir y hacernos ver Satoshi Kon.

Escena inicial de Regreso al Mar de Satoshi Kon

No obstante, sí puede explicar esta insatisfactoria experiencia la escasa bibliografía de este talentoso personaje en el mundo del manga, pues como él mismo comenta ya por entonces fue incapaz de adaptarse “al método de producción masiva que implica “comprar” tiempo y calidad mediante la movilización de un ejército de ayudantes” porque la visión de sus historias siempre ha sido demasiado personal e intransferible. Y eso mismo tenemos en Regreso al Mar, Satoshi Kon en estado puro, una fábula social delicadamente escrita, una pequeña joya de apariencia frágil y con una sensibilidad a flor de piel como el mismo Huevo de la Sirena que aparece en su trama, con toques de misterio, fantasía y magia que nos hacen creer que el relato necesariamente es posible y real y haciendo que nos impliquemos emocionalmente con la historia y sus personajes con una naturalidad pasmosa. La crítica social puede no ser muy incisiva pero no lo necesita, con su sutileza logra que el mensaje se expanda más fluidamente a lo largo de su historia sobre todo por medio de una caracterización de personajes muy cercana y humana a través de la que estos expresan sus actitudes y personalidades manteniéndose siempre fieles a sí mismos. Esto puede no parecer un gran descubrimiento, o incluso una obviedad, pero no son pocos los autores que muchas veces se pierden en la forma, olvidando lo que hay en el fondo, y forzando fatalmente las personalidades de sus creaciones. No ha sido este nunca el caso de Satoshi Kon, muy preocupado por el trasfondo y mensaje de sus historias, y Regreso al Mar no podría ser mejor ejemplo y muestra de ello.

Por otro lado, en Regreso al Mar Satoshi Kon nos regala un dibujo acorde con la filosofía de su relato, fluido, limpio y fresco pero también meticuloso y preciso con escenas que se resisten a abandonar nuestras retinas y nos obligan a enamorarnos de la sencillez de su narración. La ternura y pureza que desprende y transmite el conjunto, sensación que se intercala con algunas estampas auténticamente bucólicas, en las que la mágica inmensidad de la naturaleza retratada por Satoshi Kon logra embaucarnos y cautivarnos, funciona en la misma medida que el relato de Regreso al Mar se va abriendo y ofreciendo sus misterios y nos adentra en las motivaciones y evolución de sus personajes. El resto, aventuras y algo de romance, lo justo y necesario para centrarse en la comunión del hombre y su entorno que no deja de ser la cuestión central de este cuento de hadas moderno perfectamente planificado y retratado. Puede que algunos vean en Regreso al Mar una pompa de jabón, una historia sin más relieve, pero la obra de Satoshi Kon logra como pocas transmitir esa sana y sincera espiritualidad tan japonesa, una sensación capaz de evocar recuerdos y la cual perdura en las futuras relecturas de la obra. Para disfrutar de esta historia se necesita el alma de un niño, un requisito imprescindible, por lo tanto, si Regreso al Mar de Satoshi Kon no te hace creer que las sirenas puedan existir de verdad en este mundo entonces deberás revisar tu corazón porque algo dentro suyo se debe haber marchitado y secado.

Escena de Regreso al Mar de Satoshi Kon

 Reseña de Regreso al Mar de Satoshi Kon por Marc Bernabé
 Reseña y artículo de Historias Cortas de Satoshi Kon por Alberto de Sosa y Jordi T. Pardo

 Retrospectiva dedicada a Satoshi Kon por Jordi Querol

La licencia supone un paso importante hacia la consolidación del manga clásico en España, y es que es uno de los productos nipones que menos venden aquí. Con un público mayoritariamente adolescente y enamorado de las series punteras en Japón, la publicación del manga El libro de los insectos humanos apunta hacia un lector menos mainstream y más maduro.

Tezuka creó esta historia de unas 370 páginas en los años 70, coincidiendo con su periodo más oscuro y adulto. Y parece ser que se publicará en España en el mes de julio, acorde con el Twitter de Astiberri. A continuación os dejamos con la sinopsis cortesía de Ramen Para Dos:

Con apenas veinte años, la hermosa Toshiko Tomura ha conseguido triunfar en muchos aspectos: como diseñadora internacional, galardonada además con el distintivo de la New York Design Academy cuando se dedicaba a la actuación con un grupo teatral. Sin embargo, cuando consigue el galardón Akutagawa por su historia El Libro de los Insectos Humanos, decide alejarse de la gran metrópolis cuando los medios de comunicación centran sus focos en ella.

Tan solo un paparazzi es capaz de seguir sus pasos hasta una vieja casa en el campo, donde la encuentra desnuda junto a la figura disecada de su madre y comienza a descubrir los terribles secretos que hay detrás de Tomura.

Fuente: Deculture.es.

En esa época de apogeo, puedes llegar a comprar muchísima cosa. Personalmente llegué a tener dos cuentas de eBay simultáneas porque no daba abasto con una. Vivía literalmente dentro de la conocida web de subastas. Y con el tiempo, no solo te ciñes a esa web, sino que descubres otros foros, y casi te dedicas exclusivamente a esto… Compras de todo, incluso cosas que en principio no te interesaban pero “estaba tan barato que no pude resistirme”. En mi caso, adquirí muchísimo manga “barato”, esas series que no comprarías a precio normal pero que no le haces asco rebajada. “Bueno, ya lo leeré…”, “Bueno, para cuando tenga un momento…” y así sucesivamente. Se te acaba acumulando muchísimo papel.

Y el tiempo pasa. Y tu lees muy lento. Y compras otras novedades que te interesan más, y las lees antes. Y todos esos kilos de papel que compraste hace años sigue empotrado contra la pared, esperando su oportunidad. Paralelamente la vida se te va complicando, pierdes algo de ilusión, no tienes tiempo y los problemas se multiplican. Y de repente miras todas esas columnas de series que compraste pero que no deseabas y no sabes qué hacer con ellas. Y te preguntas qué salida darles. No las vas a tirar. También te sabe mal venderlas sin haberlas leído.

Coincidiendo con una época de pocas compras, decides crear esto, una subsección donde poder hojear de forma rápida toda una serie de tomos y series que, a priori, no merecen mucha más atención actualmente. Son una larga serie de publicaciones de las “lineas media” de las editoriales, tomos que aparecen un momento determinado, tienen sus ventas (o no), y desaparecen. Series que cumplen un cometido, pero no son recordadas. En mi caso, en esa época de consumismo compré mucho shonen y shojo barato, de “relleno” (a priori), para leer y revender. Series “morralla”. Ojo, lo que para mi puede ser de segunda para otro lector puede ser su tomo de cabecera. Poco a poco vas formando en tu mente una división entre tu colección real (la que quieres conservar a toda costa, incluso títulos que tampoco has leído pero “sabes” que te gustaran) y estos tomos, que nunca llegas a considerar tuyos, porque a no ser que salga algo muy bueno, sabes que intentarás revenderlo.

Con esta intención nace MundoManga Exprés: dar salida a toda una serie de tomos e historias que han estado años paradas, sin ser leídas, sabiendo que actualmente tus prioridades han cambiado y que realmente, la mayoría te sobran, por interés y por espacio. La idea es afrontar estos tomos en una lectura rápida (pocos merecerán algo más), y dejar constancia de su paso por mis manos en reseñas de una longitud no excesiva. O incluso de forma casi telegráfica, según como se desarrolle la sección. También servirá para hacer un repaso al fondo de catálogo de algunas editoriales, esos tomos que muchas veces vemos rebajados en Salones del Cómic o incluso rastros como Mercat de Sant Antoni u otras ciudades. Así, estas series al menos formaran parte del gran archivo de reseñas de Zona Negativa, aunque sea de forma testimonial y como reflejo de lo que se publicó en ciertos años.

¿Os gusta la idea? Decidme que sí que tengo para muchos meses de lectura! Empezamos!

PR: Por cierto, como suele ocurrir ultimamente, la mayoría de las fotografías usadas provienen de ediciones fansub de las obras. A veces escaneadas del mismo tomo español, otras con traducciones y rotulaciones propias, por lo que a veces no corresponde con la calidad del tomo.

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Edición original: Fukai Nemuri no Hana JAP
Fecha de edición: Junio 2006
Guión y dibujo: Yuana Kazumi
Color: B/N
Formato: Libro rústica, 192 págs
Planeta (6)

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Sinopsis:Yuki es una chica normal de instituto pero con un poder: el de prever el futuro de las personas a través de sus sueños. Al conocer sus futuros, ella puede intentar cambiar los acontecimientos para que ese futuro no suceda, pero esto molesta a sus compañeras y le genera rechazo. Por alguna extraña razón, su hermana cayó dormida en un profundo sueño y no se ha vuelto a levantar. En sus sueños aparece una misteriosa niña sin rostro, al lado de gente que luego también cae dormida. Esto le provoca una gran ansiedad por saber quién es esa niña, si es amiga o enemiga y llegar al fondo del problema de su don: hacer despertar a todos los que han caído dormidos, con la ayuda de dos chicos que aparecen en su vida, ambos con poderes.

Entre líneas: ¿Es posible cambiar el destino? ¿Hasta qué punto los actos de cada día lo configuran o por el contrario, ya está escrito y no podemos hacer nada para impedirlo? Y el peso de nuestros errores en el pasado, ¿se puede aligerar? ¿Sirve de algo pedir perdón, intentar dar marcha atrás? Estos temas son tratados en La flor del sueño eterno, un shojo más o menos típico sobre adolescentes que encaran su futuro con muchas dudas y con cargas de su pasado.

Este manga se basa en tres pilares: descubrir qué pasó entre Yuki y su hermana Yuka, una relación complicada entre gemelas donde una sobresale por encima de la otra. El peso de unos actos, de una envidia, y el peso de vivir con ello y su recuerdo; por otro lado, el significado de los sueños, y porque cae la gente dormida. ¿Será que en los sueños no existen las preocupaciones? ¿Será una forma de suicidio para no afrontar el futuro?; y para finalizar el inevitable triángulo entre los tres protagonistas, con los dos chicos enamorados de la misma chica, pero con un cuarto vértice, la hermana dormida. Además, se producen ciertos “caminos cruzados” entre ellos, resaltado por el hecho de que ambas parejas de hermanos tienen nombres parecidos (Yuki,Yuka, Ryune y Ryunosuke).

Yuki, con la ayuda de sus dos amigos, intentará descifrar el enigma de sus sueños premonitorios, el papel de la niña y por qué cae la gente dormida. La historia mantiene en secreto ciertos aspectos como el futuro de Yuki, la idiosincrasia de los sueños y cierto halo de misterio que ayuda a seguir el relato, aunque en algún momento sea confuso.

Los temas tratados (la envidia, el miedo al futuro, el rencor, la negativa a crecer, el perdón,…) son temas de bastante enjundia, pero pierden profundidad al encajar en una forma típica de narrar shojo: escenas dramáticas mezcladas con humorísticas, humor mezclado con momentos de alta intensidad y “frases lapidarias”, una sensación de superficialidad comercial dirigida a la jovencita adolescente nipona, etc. Pese a esto, se agradece que la historia vaya bastante al grano y no se ande con rodeos tontos o de “experimentos de mi poder” que no llevan a nada. Quizá por eso se agradece una segunda lectura que mejora un poco la sensación general, aunque hay alguna escena confusa y/o innecesaria. Hay situaciones que solo suceden en un shojo (permites a un chico que no conoces que te lame una herida en la cara, o que ese mismo chico y su hermano se instalen a dormir en tu misma habitación y que tus padres lo consientan, aunque esto último tiene algo de truco que no desvelaremos) y que seguro son percibidas de forma mucho más excitante para una jovencita que empieza a leer manga y se ve reflejada en sus protagonistas que para otro lector adulto mucho más avezado a otro tipo de lecturas (aunque dicho esto, reconocer que hay aspectos en los que también me he visto reflejado).

La edición de Planeta es correcta pero con su handicap de siempre: el papel. Tanto la traducción, frases empleadas, adaptación, inclusión de onomatopeyas originales, rotulación, modificación del dibujo en momentos puntuales (títulos de libros, nombre de tiendas, etc) o la reproducción son apropiadas, pero el papel es el habitual reciclado por la editorial, al menos en esa época y en cierto tipo de títulos. El precio es algo abultado, aunque ahora poco debe importar eso porque este tipo de manga (y otros que pasarán por esta sección) deben ser más pasto de las webs y foros de compraventa de segunda mano que de las estanterías de las tiendas a rebosar novedades actuales, donde ya no queda espacio para un par de tomos que debieron pasar sin pena ni gloria por las mismas.

Valoración: La flor del sueño eterno es, simplemente, un manga que cumple. No hay nada destacable pero tampoco nada excesivamente malo. Trata temas que podrían dar más de sí pero que quedan un poco superficiales por el público joven al que va dirigido, con una estructura de shojo conocida pero correcta. A veces cuesta reconocer a los protagonistas o quién habla, y posee algún momento poco claro. Lo bueno es que no se anda por las ramas pero precisamente por esto, al empezar sin explicar mucho qué ocurre, se necesita una segunda lectura para mejorar el resultado final. Una historia sobre los errores del pasado y las incertidumbres del futuro (todas solucionables ofreciendo amor puro y recíproco) con algún momento divertido, otros más tristes y una sensación de manga sencillo que no pasará a la historia.

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Edición original: Shiiku Hime JAP
Fecha de edición: Diciembre 2008
Guión y dibujo: Minami Kanan
Color: B/N
Formato: Libro rústica, 192 págs
Ivrea (5,5)

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Sinopsis: Hime y Nachi son dos amigos de la infancia algo especiales: él es la mascota de ella, no se esconden, todo el mundo lo sabe y se acepta con naturalidad. Ella le ha estado enseñando muchísimas cosas desde pequeños, desde estudios hasta deporte, con una relación amo-esclavo. La postura pública de Hime es solo apariencia, cuando está sola tiene dudas de su relación con su amigo del alma, querría algo más pero no se atreve a proponerlo… Realmente no son pareja….hasta que se mete otra persona en medio. Entonces las lecciones amorosas empiezan a aparecer, junto con celos, aprendizaje mutuo, personas que quieren desestabilizar su curiosa relación… ¿podrán convertirse en novios normales o la relación ya está demasiado viciada?

Repaso general: Es normal que si tu empiezas una relación con alguien de forma extraña o poco habitual, no puedas aspirar a una relación plena normal y corriente como las que tienen el resto de chicas de tu clase. Eso es lo que pasa cuando amaestras a un amigo de la infancia como tu mascota. Hace todo lo que tu le dices, pero no hace lo que realmente quieres que te haga por propia voluntad. Además, vuestra relación es suficientemente conocida para que otros intenten boicotearla.

Este manga explora la relación que se establece entre dos chavales que, de mutuo acuerdo, adoptan los roles de ama y aprendiz o mascota. Mientras que él está bastante feliz con esta posición, es ella la que nos demuestra inseguridad cuando no hay nadie alrededor. Le ha enseñado de todo, pero no le ha enseñado sus sentimientos. De hecho, su posición de ama es una fachada y cada vez le cuesta más conservarla. El chaval es mascota, pero no tonto, y se da cuenta, y ambos hacen pasos para remediarlo. Y estos pasos pasan claramente por el sexo: dudas, nervios por la primera noche, donde esconder el preservativo para que no se entere todo el mundo,… También nos muestra la superación de ciertos miedos de la mascota, que al haber estado siempre al regazo de su ama no se atreve con ciertas cosas, pero el amor por su ama le hará vencerlas.

La historia está dividida en tres partes, la primera de la cual es realmente la original y la que la misma autora confiesa que es donde debería haber finalizado la historia…. pero hizo dos más, porque sí. En cada uno de los capítulos se les presenta a los dos tortolitos una prueba, alguien que quiere romper esa extraña relación, ya sea enturbiando al chico o a la chica. Pero de alguna forma la historia nos transmite que este par no los desune ni Dios, por muchas crisis y dudas que tengan. Un amor de toda una vida.

Valoración: Este manga está enmarcado dentro de lo que extraoficialmente llamamos “línea calenturienta de Ivrea”, donde abundan las historias pasionales entre jóvenes que descubren o explotan el sexo, las relaciones de pareja, sus luces y sombras, relaciones incestuosas, etc. No hay nada malo en él si aceptamos como posible el escenario que nos dibuja: una relación no basada en el amor sino en el aprendizaje a golpes, pero que esconde pasiones mayores. Y que (casi) todo el mundo la acepte como normal. Está claramente dirigido a chicas jóvenes que experimenten las primeras relaciones y, porque no, les atraiga cierta posición dominante en la misma, aunque luego se derritan por los huesos y sinhueso de su mascota. Se deja leer bien, las dos primeras historias tienen algo más de sustancia que las otras dos (aparte de las tres del título hay una cuarta), pero no pasa de ahí. Otro título en la biblioteca de la editorial que durante bastante tiempo se ha dedicado a sacar tomos así.

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Edición original: Gamerz Heaven JAP
Fecha de edición: Enero – Julio 2007
Guión y dibujo: Maki Murakami
Color: B/N
Formato: Libro rústica, 192 págs
Mangaline(Tebeosfera) (6)

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Sinopsis: Kaito Suzuki es un chaval de instituto bastante harto de la vida que lleva: los estudios, las tareas extra escolares, los deberes, su casa,… Es un gran aficionado a los videojuegos, donde encuentra refugio a la realidad que le toca vivir, unos objetivos que le interesan y vivir aventuras encarnando un alter ego. Un día recibe un paquete misterioso, con un videojuego RPG pirata dentro. Cuando lo inserta en la consola, se transporta dentro del juego, y conoce al Navegador, un curioso chico que hace de central de datos del juego y al que deberá proteger de los monstruos que habitan el juego y que quieren salir al “mundo exterior” para conquistarlo y destruirlo. Obtendrá la ayuda de su mejor amiga y de otros personajes que pululan fuera y dentro del juego.

Entre líneas: Siempre han sido interesantes las historias de universos paralelos al nuestro por “encima” o por “debajo”. Reflejan lo que nosotros somos, nuestros defectos y virtudes, nuestros éxitos, frascazos y anhelos. Aunque tenga poca relación, viene a la cabeza Matrix. En el mundo cibernético, siempre nos hemos preguntado qué ocurría dentro de nuestros ordenadores. ¿Cómo podemos estar seguros que la placa base no tiene charlas interminables con el disco duro? ¿O que los puertos USB no reciben mercancía ilícita? Dos viejas series que recuerdo con mucho agrado exploraban algunos de estos aspectos: Max Headroom, pero sobretodo Reboot. Si buscamos producciones más recientes tenemos a Código Lyoko, o dentro del mundo del anime, a Digimon, ya que en ambas se viaja a un mundo digital con sus propias reglas, peligros y consecuencias para el mundo real.

Gamerz Heaven no es el primer manga donde un personaje se introduce en otro mundo. Tenemos, por ejemplo, a Fushigi Yuugi, donde Miaka y Yui se adentran el la China antigua para convertirse en rivales por el amor de un mismo hombre. En este caso, vemos como Kaito llega a entrar en el videojuego y su misión será impedir que los habitantes de del mundo virtual salgan a lo que ellos llaman “segunda zona”. El manual para este tipo de historias dice que el protagonista debe sentirse muy sorprendido o en estado de shock la primera vez que le pasa, pero que por alguna razón u otra aceptará el reto. En este caso, se encariña muy rápido del Navegador y decide finalizar el juego. También es cierto que un friki de los videojuegos pocas ocasiones tendrá de protagonizar uno de verdad, es su sueño hecho realidad, aunque también entrañe peligros. El primer tomo bascula entre las primeras sorpresas que se va encontrando el chaval y su amiga que le acompaña en esta aventura, las normas del videojuego, sus repercusiones en el mundo real, los intentos de convencer a más amigos para que se unan, sus reticencias, etc. Mezcla bastante bien estos temas y no es una lectura muy trillada, es más, se hace bastante simpática.

Si queremos leer una segunda intención a este shonen la podríamos encontrar en como trata las dificultades que tiene la juventud nipona para adaptarse a la vida en sociedad y sus propias exigencias: tener un buen rendimiento académico, acceder a buenas universidades (esto ya se veía de forma cómica en Love Hina), presión de los padres, etc. Sin ser un experto en la materia, sí podemos decir que esto puede provocar estrés, problemas de relación con otras personas, depresión, aislamiento, etc. Podríamos recordar a Kazama, el aplicado amigo de Shin Chan, que ya nota la presión de sus padres para que saque buenas notas y responda al as expectativas depositadas en él, el futuro de una adinerada familia. Aunque la versión española de Gamerz Heaven tilde al protagonista de “friki”, no me extrañaría que en el original hubiese cierta relación al término “otaku”, entendiéndolo como esa gente que no sale nunca de su habitación, ya sea por miedo a la sociedad, a no querer enfrentarse a los riesgos, temer el fracaso, etc. Kaito no es así (va al colegio normal, por ejemplo), pero su desaforada afición por los videojuegos hace que el lector (sobretodo los propios japoneses) vean incipientes trazas de este fenómeno también llamado Hikikomori. Es un aspecto muy presente en la sociedad japonesa y estoy seguro que los lectores nipones lo tuvieron presente al leer este manga.

Parece que los enemigos del chaval sean representaciones de lo que él no quiere hacer: deberes, tareas del hogar o de la escuela, etc Representaciones de lo que huye, de la vida real. Esto podría haber dado mucho juego pero aparentemente a partir del segundo tomo se abandona esta vía, aunque no del todo. Curiosamente el propio autor confiesa haber hecho un segundo tomo mucho más estándar a los gustos mayoritarios que el primero, donde intentó crear algo distinto, un poco fuera de lo normal leído varios cientos de veces. Esto provoca que las buenas sensaciones encontradas en el primer tomo queden algo enfriadas en el segundo.

Valoración: Gamerz Heaven es un manga shonen que empieza bien pero va perdiendo fuelle a medida que pasan los tomos. De hecho, es una serie inacabada en nuestro país, habiendo Mangaline publicado solo 3 de los 4 tomos que conforman la obra, de los cuales personalmente poseo los dos primeros. Se puede leer online en inglés al completo, y los comentarios que se reciben es que el final es bastante abrupto y decepcionante, con lo que parece indicar que el movimiento descendente del segundo volumen se acentúa en los siguientes. Gráficamente es correcto, con algún momento espectacular, con muchas tramas, momentos de humor y tensión, etc Simplemente bien. Apunta temas sociales o de problemáticas de los jóvenes japoneses pero no llega a explotarlos. Es una lástima porque parecía una pequeña joya escondida de la línea Top10 de Mangaline, que albergó a City Hunter o a Coco.

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Edición original: Yureka COR
Fecha de edición: Abril – Julio 2008
Guión: Hee-Joon Son
Dibujo: Youn-Kyung Kim
Color: B/N
Formato: Libro rústica, 192 págs
Dreamers (7)

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Sinopsis: Jang-Gun, Kwan-Su y Won-Suk son tres estudiantes de instituto, amigos desde hace muchos años, y que se aburren estudiando. Son más conocidos como Roto, Boromid y Ah-Dol, el Grupo Triple Amenaza dentro del videojuego online masivo de rol Lost Saga. Se pasan la vida dentro, y ahí pueden ser como ellos quieran, vivir las aventuras que quieran, no rendir cuentas a nadie y triunfar. Es un mundo muy amplio, con muchos personajes, situaciones, fases, expansiones, clases, rankings, etc. En el juego pululan varios personajes, algunos amigos y otros enemigos. Un día, Gun encuentra un disquete del juego que le permite entrar como un personaje totalmente distinto, cosa que modificará por completo la visión que tenía del juego, de sus amigos y de sí mismo. ¿Es posible que sea algo más que un simple jugador?¿Tendrán algo que ver esas lagunas en su memoria?¿Por qué es tan amigo de sus amigos pero se pasan la vida peleándose y haciéndose trastadas?

Entre líneas: Completamente por casualidad, el siguiente título escogido para leer también toca el tema de los videojuegos online, la experiencia de vivir vidas virtuales distintas a las reales, y su relación con el mundo físico. Pero aunque Gamerz Heaven sea interesante, aquí nos encontramos com una narración bastante mejorada, con muchos puntos de interés. Desde el principio se nota que la historia no sigue los patrones habituales (aunque hable de chicos de instituto y tal), y la narrativa es muy correcta, amena, divertida y bien montada. El primer tomo sirve para presentar a los protagonistas, y algunos de los personajes que pululan por el juego que irán teniendo su importancia, tejiendo relaciones con el grupo. También sirve para describir ese mundo virtual lleno de guerreros, magos, sanadores, vigilantes, soldados, monstruos, enemigos en torres medievales, etc. Un mundo muy “a lo rol”, con armaduras, poderes, magias, experiencia, puntos, etc

Un aspecto muy a favor de este manwha es la realista visión que tiene de un videojuego online masivo, un ARPG. El juego se puede caer, interrumpir, quedarte bloqueado por tener ping alto, o que tu hermana esté usando la misma línea de Internet,… También existen las actualizaciones del juego, que añaden más campo y retos a los jugadores, los bugs (que pueden modificar a enemigos, subir o bajar ratio, introducir elementos extraños en el mundo virtual, etc), los personajes no jugador (que vigilan que todo vaya bien dentro del juego, o están programados para comprar/vender en una tienda,…). Hay toda una jerga informática propia de este tipo de juegos, y está explicada en notas al pie de página y en un glosario posterior. A veces, algún jugador se dirige al lector, rompiendo la cuarta pared, haciendo dudar a sus compañeros con quién habla. La inmersión en el videojuego está muy conseguida. Además, los propios jugadores comentan la calidad del juego dentro del mismo juego con personajes no jugadores controlados por la máquina. creando metasituaciones curiosas.

Los diálogos de la serie son muy divertidos, y en general está planteada de una forma bastante original y habilidosa. A destacar la traducción, muy espontánea y con frases muy apropiadas, que casan como un guante en las situaciones de combate dialéctico entre los amigos y otros seres poblando el juego. Esto crea un ambiente bastante especial, humorístico pero de trasfondo dramático, intuyendo que algo irá mal entre esos tres jugadores, a la par de que aparece el misterio y algo de drama.

Yureka posee un dibujo bastante estándar y comercial, aunque con un pequeño estilo propio con caras reconocibles, chicas cañón, etc. Usa todos los recursos del dibujo manga con una buena planificación y ejecución (líneas cinéticas, superdeformed, momentos absurdos mezclados con dramáticos,…)

Valoración: Yureka es un buen manga de aventuras y acción dentro de un Action RPG. Presenta de forma muy competente la historia y el escenario en el primer tomo, mientras que la historia propiamente dicha de Yureka empieza en el segundo. La verdad es que solo con dos tomos hay bastante que explicar y la sensación es muy buena, con una combinación de humor, aventuras, peligro y problemas muy bien equilibrada. Todo parecía indicar en un muy buen shonen , pero las nulas ventas del título nos privaron de comprobar como se desarrollaba en tomos posteriores. Estaba llamado a ser la “serie larga y comercial” del catálogo de Dreamers, su particular Gantz, One Piece o Naruto, y vistos en perspectiva, posiblemente su título más interesante. La serie sigue su curso, con más de 40 tomos publicados en Corea, y realmente nos llegamos a preguntar como puede haber evolucionado la historia, qué tenía pensado el guionista para llenar tantos tomos, aunque lo indicado en estos dos primeros apuntan a bastantes secretos a descubrir. Personajes atractivos, situaciones divertidas, diálogos ágiles, un mundo que explorar, misterios que resolver, buena ejecución,… es realmente una lástima que no hayamos podido saber más de este trío.

Edición original: Untold tales of Punisher MAX #1-5 USA. 2012.
Edición nacional/ España: Mayo 2013.
Guión: Jason Starr, Jason Latoru, Megan Abbot, Nathan Edmonson, Skottie Young.
Dibujo: Roland Boschi, Connor Willumsen, Matteo Buffagni, Fernando Blanco, Mirko Colak.
Color: Dan Brown, James Campbell, Cris Peter, Rachelle Rosenberg.
Formato: Libro con solapas. 120 págs.
Precio: 12,00€.

La versión más adulta del justiciero más letal de Marvel vuelve en esta serie limitada que nos explica algunas historias jamás contadas del personaje. Jugadores que no pueden cubrir sus apuestas, asesinos que quedaron impunes de sus crímenes, tratantes de esclavos y muchos más son el objetivo de Punisher en cinco relatos ofrecidos por otros tantos equipos creativos.

La cabecera Punisher MAX sirvió para proporcionar una de las mejores interpretaciones del personaje que se han hecho nunca. La labor de Garth Ennis primero y, en menor medida, Jason Aaron después al frente de la serie llevó a Punisher a un nuevo nivel, explorando territorios que no se habrían podido alcanzar nunca con el personaje dentro del Universo Marvel tradicional, tanto a nivel temático como en la propia evolución del protagonista. Por desgracia la marcha de Ennis de la colección marcó el inicio del declive de ventas de la serie y el relanzamiento a cargo de Jason Aaron, aunque artísticamente fue un acierto, no consiguió el éxito comercial esperado y derivó en el cierre prematuro de la serie y el final casi definitivo del personaje en la línea MAX.

La última aparición del personaje bajo el sello MAX ha sido en la miniserie de cinco números recogida en este tomo y que se dedica a explicar historias del personaje ambientadas en algún momento entre la etapa de Ennis y la de Aaron. Son cinco historias independientes y autoconclusivas, realizadas por equipos artísticos diferentes, que se dedican a explorar la figura de Punisher desde diferentes perspectivas.

La primera de ellas, El Accidente de Billy, es la más extensa del tomo y está escrita por Jason Starr, autor de novela negra habitual del sello MAX, y dibujada por Roland Boschi. El Billy del título es un jugador empedernido que para pagar sus deudas se embarca en una espiral de crímenes que le llevará a cruzarse con Punisher para su desgracia. La historia está explicada desde el punto de vista de Billy y, aunque no es colmo de la originalidad, está bien narrada y me recuerda en algunos momentos a un episodio de Los Soprano. El dibujo de Boschi cumple pero nada más.

La segunda historia, Donde el Diablo no se Atreve, nos lleva al medio oeste americano y a una peculiar familia de delincuentes que parece salida de alguna versión de La Matanza de Texas. El guión de Jason Latour funciona como un cuento, sin un principio definido pero con un final muy contundente. Llama la atención el dibujo de Connor Willumsen por su composición clásica de página y la expresividad de sus dibujos, con cierto aire underground.

El Lazo es la tercera historia y quizás la más anodina de todas. Ni la historia de Megan Abbott, sobre un asesino que había quedado impune y que encuentra su castigo a manos de Punisher, ni el dibujo de Matteo Buffagni llaman la atención. Algo parecido ocurre con la cuarta historia, La Caza del Hombre, que es otra historia bastante convencional en la que Punisher se ve envuelto en el enfrentamiento entre dos bandas que pretenden controlar el tráfico de mujeres chinas para su explotación sexual. Escribe Nathan Edmonson y dibuja Fernando Blanco, que es lo más destacable de este episodio.

Punisher deberá afrontar la venganza del hijo de una de sus víctimas

La última historia del tomo, Algo sobre la Venganza, es la más interesante de todas. En ella, un padre le explica que la venganza y la violencia no son la solución a ningún problema, como él aprendió cuando se enfrentó a Punisher para intentar vengar a su padre, un contable de la mafia que murió en uno de los raids del justiciero. La historia está escrita por Skottie Young y es la única que consigue conectar emocionalmente con el lector. El dibujo de Mirko Colak, de trazo claro y expresivo ayuda a que éste sea el capítulo más equilibrado de todo el tomo.

Aunque un personaje como Punisher se presta a este tipo de historias autoconclusivas, el conjunto de historias de este tomo resulta bastante flojo, incluso para un producto de estas características, siendo inferior a La Caza de Castle o Noche de Paz, otros tomos que recuperaban historias sueltas del personaje. Es una pena que los autores no hayan sido capaces de crear unas historias que, salvo la de Young, carezcan de algún tipo de enlace emocional con el lector o, en su defecto, de algún elemento impactante como podría esperarse de un título publicado bajo el sello MAX.

Este tomo marca el final de las aventuras más adultas del personaje ya que, de momento, en los USA no hay más material pendiente de publicar. Los fans de Punisher tendremos que conformarnos con la aparición que Frank Castle hará en las páginas de MAX Furia, en el reencuentro del personaje con Garth Ennis, y con el cierre de la etapa de Greg Rucka en la serie The Punisher, ambientada en el Universo Marvel. Sólo nos queda esperar que Marvel recupere algún día esta cabecera y nos devuelva la versión más oscura de su antihéroe más letal.

Edición original: Octubre 2012, Marvel Comics. Contiene Infernal Man-Thing TPB, que incluye la miniserie homónima de tres números, Man-Thing (1974) #12 y Savage Tales (1971) #1.
Guión: Steve Gerber, Gerry Conway, Roy Thomas.
Dibujo: Kevin Nowlan, John Buscema, Gray Morrow.
Entintado: Kevin Nowlan, Klaus Janson, Gray Morrow.
Color: Kevin Nowlan.
Formato: 112 páginas a color editadas en rústica.
Precio: 14,99 $.

Steve Gerber es una rara avis. Y aún más extraño resulta si se le compara con el núcleo duro del bullpen de la Marvel de los sesenta. Aunque no sería tan particular si resulta que como compañeros de pupitre tuvo a tipos como Jim Starlin o Steve Englehart. Y es que las sesiones alucinógenas y las largas jornadas de consumo de ácidos varios fomentó una complicidad y una competencia entre estos autores que dio pie a una de las etapas más estrafalarias e imaginativas de la Casa de las Ideas, una etapa que duró la mayor parte de la década de los setenta y que dio pie a sagas memorables, desde Warlock al Doctor Extraño, pasando por el Capitán América o el propio Howard el Pato creado por Gerber, con tebeos rebosantes de ideas, audaces, a la vanguardia de las tendencias sociales de la época. Y un fuerte regusto hippie. Aunque no todo eran aplausos, ya que la algarabía narrativa y la extraña libertad que disfrutaron estos autores –inaudita en las dos décadas posteriores- también dio lugar a tremendos altibajos en la calidad de las historias, así como a un exceso de verborrea farragosa que se confundía con prosa de calidad. Aunque a veces es mejor pasarse que no llegar. Esto mismo debieron pensar Starlin, Englehart o Gerber, quienes convirtieron Marvel en su campo de juegos particular, llevando al límite la experiencia lectora, en pos de las posibilidades creativas del medio. Para bien y para mal, como digo.
En ese pantano de creación –nunca mejor dicho- y tras la apertura de miras por parte del Comic Code respecto a la publicación de relatos gráficos de mayor violencia, los monstruos renacieron en la factoría marvelita, bajo títulos donde Drácula, el Hombre Lobo o la criatura de Frankenstein deambularon de nuevo, al tiempo que compartieron espacio con psicópatas de todo pelaje, para solaz del lector ávido de experiencias sensacionalistas. Uno de los pistoletazos de salida al respecto lo dio Man-Thing, el Hombre Cosa en la piel de toro, un sosías de la Cosa del Pantano de la DC, aunque con menos suerte comercial o crítica. Ambos fueron creados a la par, lo que no es de extrañar, teniendo en cuenta que Gerry Conway compartía piso por aquella época con Len Wein, padre de la criatura de la distinguida competencia. El Hombre Cosa marvelita, un ente empático, cuyo tacto arde con la aparición del miedo, nació en las páginas en blanco y negro de la revista Savage Tales, título para lectores algo más maduros de lo habitual, con relatos de Conan, Kazar y similares, donde algo más de violencia y unas carnes más visibles eran la norma y que dio pie a historias ya clásicas firmadas por Roy Thomas, John Buscema y otros. Fue el propio Thomas quien, junto a Conway y Gray Morrow, según premisa de Stan Lee, crearon a este Hombre Cosa, que pronto pasó a formar parte del universo Marvel.

Y el milagro se hizo realidad en forma de serie regular. La primera de ellas, tan sólo duró 22 números, forzando al personaje a posteriori a aparecer como extraño secundario en títulos superheróicos de diverso pelaje. Alguna serie regular se produjo además, pero fue el brillante momento en el que un joven Steve Gerber se hizo con ella cuando esta se convirtió en diana para sus dardos de experimentación. Tendente a una prosa ampulosa e introspectiva, lo primero como rasgo característico de los tebeos de la época, para qué engañarnos, Gerber destacó por su tratamiento psicológico de la criatura, que pasaba a ser un mero espectador de las desgracias de los infortunados que se cruzaban con ella. Y si bien el título no se alejaba del todo de los parámetros del género de terror, el horror hacía su aparición de una manera más enrevesada, más basada en los temores intrínsecos de sus protagonistas aleatorios que en el susto por el susto. Estaba claro que Gerber no quería que el título se convirtiese en un mero cliché de película de monstruos, con lo que su inventiva se explayó creando una saga satírica que sería germen de su trabajo posterior con el pato Howard. Así, como una precursora evidente de lo que veinticinco años más tarde sería Vertigo Comics, Gerber confeccionó un título difícil y tremendamente particular en una editorial de personajes en pijama.

Tras abandonar el título, la espinita de enganche con Man-Thing siguió clavada en su memoria, pues en cuanto regresó a Marvel en los ochenta, propuso la continuación de cierta trama para la que había pensado una continuación. Aquel número, el titulado Song-cry of the living dead man, tendría continuidad en forma de one shot, con los poco habituales lápices del maestro Kevin Nowlan. Pero el dibujante, empeñado –a Dios gracias- en colorear su propio trabajo, tardó más tiempo del debido en terminar la serie. Por h o por b, la cosa se demoró hasta el punto que Infernal Man-Thing salió después de la muerte del propio Gerber, ya como una miniserie de tres números. El trade paperback analizado en esta reseña, e inédito en España, contiene no sólo la miniserie de Gerber y Nowlan –con espléndidas portada del poco prolífico Art Adams-, sino el número original de la serie regular de la que parte e incluso como bonus track, la primera aparición de Man Thing en Savage Tales.

Infernal Man-Thing supone así no sólo un acto de amor de unos autores hacia unos personajes, sino otro hecho inaudito en la historia de Marvel, editorial que ha tenido sus litigios contra Gerber por los derechos de Howard, de modo que su figura no fue nunca bien vista. El empeño del editor Ralph Macchio dio pie a que el tebeo viera la luz, regalando al lector una posibilidad única de revisar el talento de uno de los escritores más inusuales del mainstream norteamericano. Tan inusual, que se alejó por completo de esa corriente principal, siendo una isla en medio del torrente.

¿Y qué narra Infernal Man-Thing? Pues la miniserie expone, a través de la pesimista mirada de un escritor en plena psicosis, nada más y nada menos que la futilidad de la vida y la lucha por la integridad creativa e intelectual. Brian Lazarus, un escritor reconvertido en guionista de TV después de la epifanía vivida junto al Hombre Cosa en medio de un manicomio abandonado, donde tuvo que luchar contra los demonios de su propia creatividad, decide vivir una vida cómoda al amparo del dinero cobrado por sus creaciones para medios audiovisuales. Con total consciencia de ello, decide llevar una vida normal, junto a una esposa normal, en una casa normal, donde crían a un niño normal. Y durante años, aquella mascarada parece funcionar. Pero cuando Lazarus es despedido, algo dentro de él estalla, recuperando su psicosis destructiva y llevándole lejos para tratar de exorcizar unos demonios que no son sino fruto de su propia mente punitiva, la cual, a base de pensamientos destructivos, está a punto de acabar con él. Su psicosis es tan tremenda, que los personajes creados por él, cobran vida ante sus ojos, tratando de acabar con su vida noche tras noche, mientras trata de crear el texto concreto que sea capaz de aniquilar esos productos que considera el resultado perverso de haberse vendido a los mercados. Y en medio de todo esto, el Hombre Cosa como empático espectador del drama del escritor.

No hay que ser muy perspicaz para percatarse de que Gerber proyecta sobre su protagonista las incertidumbres y temores de su propia personalidad, ya que si sustituimos animación por cómics, vemos lo que más que probablemente sentía Gerber cuando debía entregar un guión amoldado a la petición del editor de turno en la empresa de turno. El remordimiento que le debía causa pervertir su talento en pos del cheque necesario fue suficiente en su vida como para torturarle y si no, cuanto menos, plantearse los límites de la moralidad del escribano esclavo. No en vano, al tratar de recuperar los derechos de sus personajes litigando con Marvel, no hacía sino ladrar contra un amo necesario para subsistir, pero en el que no debía haber confiado. Y así, este Infernal Man-Thing se puede ver bajo la perspectiva de un grito desesperado del artista frente al artesanado mal pagado y mal tratado, aquel que se desvive por crear para empresas sin escrúpulos, donde el esfuerzo sólo se traduce en trabajo asalariado y se obvia el talento creativo, que no sólo no es remunerado, sino negado a posteriori. Lo que creas para Marvel, se queda en Marvel. Lo mismo pasaba en Bruguera, en DC, en tantas otras. Y esta lucha, con tintes esquizofrénicos en la obra que nos ocupa, no acaba bien, como no acaba bien jamás. Que se lo pregunten a Kirby.

Este tebeo no es sólo grande gracias al guión de Gerber. El dibujo de Kevin Nowlan tiene mucho que ver. Con su trazo tan particular, de líneas rectas y tono caricaturesco, Nowlan triunfa al aplicar él mismo el color, con una paleta sorprendentemente brillante para el título en cuestión, más tendente a la oscuridad, donde el alucinado mundo de Lazarus se refleja en criaturas cuya tridimensionalidad casi las hace saltar del cuadro. El tono caricaturesco contagia las páginas en la cinética de los coches, en las perspectivas de los fondos, convirtiendo cada viñeta en un festival para la vista. Ojalá se prodigase más el Señor Nowlan. Trabajos como estos no hacen sino confirmar su talento.
Como colofón, una advertencia, este tebeo, adulto y extremo en sus planteamientos, mejor que no caiga en manos de individuos que estén pasando crisis creativas o pesimistas redomados. ¡Su mensaje no les hará bien!

Por lo que hemos podido apreciar, se recalca el sentimiento de culpa de Lobezno por lo de Jean Grey en la tercera entrega de X-Men y la vida de vagabundo que ha llevado desde entonces. Por fin vemos al personaje de Yukio (Rila Fukushima) manejarse con la espada con bastante pericia y repartir espadazos con el Samurai de Plata, al cual se le ve un momento cual versión mini de alguno de los robots de Pacific Rim.

De regalo unos posters con ese estilo japonés del primer cartel, concretamente el de la aliada de Logan, la ya mencionada Yukio, y la mala malísima que parece llevar todo el cotarro como es Viper (Svetlana Khodchenkova) muda de piel y lengua al uso incluida.

Edición original: Marvel Comics – marzo 2013
Edición España: Panini Comics – mayo 2013
Guión: Christos Gage
Dibujo: Tomm Coker, Mike Mayhem, Mike Deodato, Luke Ross, Valentine De Landro
Entintado: Tomm Coker, Mike Mayhem, Mike Deodato, Luke Ross, Valentine De Landro
Color: Daniel Freedman
Portada: Tomm Coker
Precio: 2,50 euros, número de la serie regular de treinta dos páginas

Dos meses después de su salida en Estados Unidos tenemos por aquí el primer especial anual de la colección Vengadores ¡reuníos! esa colección que lo mismo sirve para la presentación de un nuevo grupo que para la atadura de cabos sueltos de diversa índole. En esta ocasión nos encontramos con un ejemplo del segundo supuesto, pues el número se aprovecha para saber un poco más qué ha sido de la Visión desde que fuera recuperada, hace ya varios meses, en las páginas de una de las series principales.

El ser artificial fue una de las primeras víctimas de la saga Desunidos y, dejando aparte una versión juvenil que se paseó junto a los Jóvenes Vengadores, había estado en barbecho durante bastante años, casi tantos como su pareja, la Bruja Escarlata. Uno desmaracado por causa de la locura de la otra. De repente, y por exigencias del guión ¡hop! el viejo Visi vuelve a la carga durante una reestructuración de equipos vengativos previa al enfrentamiento con la Patrulla-X, fruto de la cual también se incorporó Tormenta. Sin embargo, las corrientes derivadas de cualquier cruzamiento multitudinario y del relato de sus consecuencias se llevaron por delante cualquier posibilidad de explorar cómo afrontaba el sintezoide su retorno a la actividad y, siendo realistas, ése no parece ser ni el fuerte ni el interés de Bendis. Es en este número anual que llega en la novena entrega de la edición española donde un guionista de la escuela Busiek como es Christos Gage se encarga de contar qué pasa por la mente computerizada del personaje.

La Visión y los niños

La Visión y Mercurio

 

Guión: Mari Yamazaki
Dibujo: Mari Yamazaki
Edición España: Norma Editorial
Contiene: Thermae Romae Nº 1 JAP
Formato: Tomo manga rústica de 176 páginas
Precio: 8,00€
Valoración:

 

Una de las cosas que más me gustan del manga es la pluralidad de ideas y de argumentos, casi podríamos decir que hay un manga para cada tipo de lector y algunos son realmente bizarros en cuanto a idea de partida pero no por ello menos interesantes. Este es el caso de Thermae Romae de la autora Mari Yamazaki, obra estrenada por Norma Editorial durante el salón del cómic y que a buen seguro va a sorprender a aquellos que le den una oportunidad.

Lo cierto es que el argumento de esta obra no podía ser más extraño, trata sobre las vivencias de un arquitecto llamado Lucius venido a menos en época del emperador Adriano, a quien la suerte le sonríe cuando tras sumergirse en una terma aparece en el japón de nuestros días, más concrétamente en un baño público japonés algo que obviamente el desconoce y piensa en primera instancia que ha ido a parar a las termas destinadas a los esclavos. A partir de este suceso se comienza a construir una interesante – y divertida – trama en la que Lucius irá no solo recuperando su prestigio como arquitecto y pensador sino escalando posiciones dentro de la sociedad romana que le llevarán incluso hasta que el emperador Adriano reclame sus servicios.

La virtud de esta obra no esta no solo en los muchos momentos divertidos que se generan de la visita de Lucius a nuestro presente, aunque reconozco que se me escapó una sonora carcajada con el momento water y chorrito de agua (ver imágenes a pie de texto). La grandeza está en la facilidad que tiene la autora para construir de la nada una historia interesante en la que casi sin que nos enteremos actúa con fines didácticos para enseñarnos detalles que a muchos les resultaran desconocidos del imperio romano, y como a pesar de los años existen ciertos paralelismo en la importancia de las termas durante el imperio romano y la sociedad actual japonesa.

El dibujo, también a cargo de la misma autora sin ser tan brillante como la historia o los diálogos no desentona y cumple con la caracterización de los personajes así como los escenarios tan importante en una obra destinada a descubrirnos épocas pasadas.

Thermae Romae es una obra finita de seis volúmenes, algo que a buen seguro terminará de convencer a aquellos que tenían dudas a la hora de embarcarse en una serie regular. Por mi parte me ha gustado lo suficiente como para probar con un segundo y probablemente tercer volumen.

Uno de los muchos momentos divertidos de este primer volumen

Edición original: Empire#0-6 (DC, 2003).
Edición nacional/ España: Empire nº 1-8 (Planeta DeAgostini, 2004).
Guión: Mark Waid.
Dibujo: Barry Kitson.
Entintado: James Pascoe.
Color: Chris Sotomayer, .
Formato: Comic-book.
Precio: 1’70€ c/u.

Nos lo hemos preguntado más de una vez. ¿Qué pasaría si el héroe no llegara en el último minuto? ¿Si solo quedase una oportunidad para frustrar el diabólico plan del villano de turno… y fracasase? ¿Si las buenas acciones fueran castigadas y las malas, premiadas? Bueno, no hace falta preguntárselo: lo vemos cada día a nuestro alrededor. La ficción se empeña en lo contrario para darnos un respiro de la realidad. Pero síganme el juego. Los universos de ficción se han vuelto tan fascinantes que nos exigen dosis de verosimilitud… ¿y qué hay más verosímil que la derrota? Así que fantaseamos. Y la industria le pone nombre: What If, Elseworlds, etc. Un vistazo al momento en que los héroes cayeron y no se levantaron. Un vistazo al triunfo del mal.

Es bien sabido que la curiosidad no es lo mismo que la aceptación. Una cosa es una rápida ojeada a ese momento en que las cosas se torcieron, que magnifica luego la heroica victoria final (bien sea porque aún guardaban un as en la manga, como en la entretenida Emperador Muerte o las numerosas alteraciones de la realidad de tipos como Kang, Kulan Gath o Per Degaton; bien sea porque ese futuro no es el nuestro, el bueno, el fetén, y queda ahí como advertencia, tipo Días del Futuro Pasado), y otra muy distinta instalarse ahí para quedarse, contemplando impotentes las torturas, vejaciones y eliminación definitiva de nuestros heraldos. Eso sería intolerable. Inadmisible. Eso es Empire.

Mark Waid y Barry Kitson han colaborado en varias ocasiones, incluyendo relanzamientos de la JLA y la Legión de Superhéroes que tal vez merecieran mejor suerte. Ambos son tipos habilidosos, que suelen tejer historias divertidas e intrascendentes. No busquen en su biografía las obras que cambiarán el curso de la narrativa dibujada; en su favor diremos que nunca ofrecen menos que un entretenimiento digno. Aparte de las citadas, Waid, con otros colaboradores, es responsable de etapas estimables en Flash o Capitán América, alguna revisitación de Superman y, claro, Kingdom Come, la historia que siempre nos hace pensar ¿qué hubiera hecho Alan Moore? Pero no nos vayamos por las ramas. Waid y Kitson aceptaron el reto de presentar “un tebeo que hablaba de unos villanos que alcanzaban la victoria” y su primera conclusión fue que no lo podían hacer con personajes de DC o Marvel. Porque esta situación era definitiva. Los malos han ganado. ¿Qué pasa ahora? Así que se fueron a Gorilla, uno de esos sellos de efímera vida en los ’90, y se pusieron manos a la obra.

Una de las agradables sorpresas que nos depara Empire tiene que ver con la caracterización y el diseño de personajes: por una vez, se lo han tomado en serio. Normalmente, para esta clase de historias los autores no se estrujan las meninges y tiran de iconos reconocibles, de pastiches, como Busiek y Anderson en Astro City o Kirkman y Walker en Invencible. La razón nos la explicaba el propio Kirkman: “Sé que, superficialmente, los Guardianes de la Tierra parecen una parodia de la Liga de la Justicia, pero bueno… es que eso era lo que se suponía que debían ser. Quiero decir… tenía 18 páginas para presentarlos a todos y que los lectores les tomasen cariño […] Usar arquetipos es el mejor modo de hacerlo”. El problema es que también es el modo cómodo de hacerlo, el que menos inventiva aporta. Waid y Kitson trabajaron duro y, al revés que los productos Image de la época, sus personajes tienen vocación de originalidad. Bueno, casi todos, porque Endymion es el inevitable Superman/Supreme/Omniman/Mr.Majestic (etc.). No en vano Waid es forofo reconocido del último hijo de Krypton. Pero Gólgota es un gran villano: una especie de Dr. Muerte cuya armadura recuerda a Manga Khan empeñado en la utopía de un mundo unido y en paz (de los cementerios, se entiende). En la primera entrega nos presenta a sus asociados: Tumbril, un vicioso torturador lleno de tatuajes que se excita con el dolor ajeno; Lucullan, estratega que trabuca palabras y sólo vive para la guerra; Kafra, cyborg rijoso que controla la información mundial; Xanna, una asesina pelirroja que se aburre fácilmente; Delfi, la vigilada hija del dictador; etc. Un plantel de villanos trepas que ríete tú de los Amos del Mal del Barón Zemo. Una droga llamada, ¡atención!, Eucaristía, cuya elaboración e ingredientes sólo Gólgota conoce, les da fuerza y reflejos sobrehumanos, a la vez que asegura lealtad y obediencia al líder merced a la adicción. Y aún así…

Es una lástima que Empire concluyera tras sólo ocho números. La historia se cierra más o menos como en un arco argumental al uso, ni siquiera como un fin de temporada televisiva. No cuesta nada imaginar otra tanda igual o superior a esta, con nuevas y viejas intrigas. Pero el esfuerzo para Waid y Kitson debió de ser extraordinario. A pesar de las buenas críticas y unas ventas aceptables, el sello Gorilla quebró, obligando a los autores a parar la serie, que fue rescatada por DC, respetando los derechos de autor. Supongo que luego encontraron menesteres más lucrativos y decidieron aparcar su creación más personal y acaso la más lograda.

En 2004 la historia completa fue publicada en España en ocho cuadernos por Planeta DeAgostini al precio de 1’70€ ejemplar.

La serie llegará en otoño de 2014 a Disney Channel y uno de sus responsables máximos será David Filoni, que ya realizó la serie Star Wars: Las guerras Clon. Aquí un vídeo en el que el propio Fioni cuenta alguna cosa del proyecto.

Mientras esperamos ver al Almirante Ackbar en Star Wars: Rebels, el casting del Episodio VII sigue su curso con fuerza. Además del trío protagonista de la trilogía original, J.J Abrams quiere contar con el irlandés Jonathan Rhys Meyers, con el que ya trabajó en Misión Imposible III y que os sonará de títulos como Match Point o la serie Los Tudor donde hacía de Enrique VIII. Como siempre, el papel al que opta se desconoce totalmente.

 Sin salir de Disney, nos metemos con Mavel, donde el director de Los Vengadores 1 y 2, Joss Whedon ha confirmado en IGN que veremos a Mercurio y a La Bruja escarlata en esta nueva entrega. Por un lado dice que no pondrán las cosas fáciles a los héroes más poderosos de la Tierra y por otro se confirma que el término mutante no se aplicará a estos dos héroes porque sino pasarían a formar parte de la cantera de la Fox y sus X-Men, si Magneto levantara la cabeza.

El productor general de Marvel Studios, Kevin Feige ha ido adelantando en Inside Movies alguna idea de lo que vendrá en 2015 con la supuesta Fase 3. El Hombre Hormiga tras muchos retrasos empezará a rodarse el año que viene, sobre Doctor Extraño ya hay guión encargado y el estudio tiene un interés especial en abordar el tema mágico, Robert Downey Jr. volverá para Los Vengadores 2 pero para más adelante no se sabe aunque se trata de un personaje que sí o sí va a seguir estando en todas las fases de Marvel. Pantera negra podría hacer un mínima aparición en Los Vengadores 2 pero su papel principal va a ser en la siguiente fase, donde igualmente se va a buscar un hueco para un film en solitario de Hulk; los Inhumanos parece un proyecto lejano aunque no en exceso dependiendo de cómo funcione Guardianes de la Galaxia, y sobre Daredevil, Punisher, Blade y Ghost Rider que han vuelto a ser propiedad de la Casa de las Ideas, hay que buscarles aún un hueco en alguna fase futura y la aproximación que se le va a dar.

Tras tanto nombre, vamos con un trailer más largo de Agents of SHIELD y la vuelta del agente Coulson que no estaba muerto, estaba de parranda.

 El 21 de Junio se va acercando más y más y Warner nos va saturando más y más con material promocional de El Hombre de Acero. En primer lugar unos posters en los que vemos a los dos kryptonianos que se van a zurrar de lo lindo, Kal-El y el General Zod.

Por otro lado, han ido apareciendo una serie de vídeos en los que el equipo técnico y artístico hablan del argumento de la película, recalcando en este caso el papel de hombre sin rumbo, hombre perdido en la vida que juega Clark Kent/Superman.

 Uno que ha vuelto con fuerza y creíamos perdido es Vin Diesel y su Riddick. EL primer tráiler deja claro que esta nueva entrega vuelve a las bases de la primera Pitch Black. En este caso Riddick está aislado en un planeta y un grupo de mercenarios van a tocarle las narices, entre ellos Karl Urban, el luchador Dave Bautista y el español Jordi Mollá. Si no es el propio Vin Diesel, la fauna alienígena local del planeta acabarán con los hombres enviados en su busca.

El aspecto más heroico en el sentido de que la presa se convertirá en el perseguidor está muy enfatizado así como su toque a lo guerrero mítico con esta foto que parece sacada de Conan.

 Para acabar, un nuevo tráiler de una de las películas que se ha hecho justamente un hueco entre los títulos más esperados de este verano, Pacific Rim. El país que no tenga su propio mecha es un “pringao”.